diciembre 28, 1998

Patch Adams

Publicada en 1998.


¿Es la risa la mejor medicina?


La historia de un hombre que, de estar recluido en una institución mental pasa a ser uno de los mejores estudiantes de medicina y posteriormente doctor fundador del Instituto Gesundheit; "Patch Adams" explora la vida de este peculiar ser humano quien trata de llevar humor y compasión a los pacientes que padecen enfermedades terminales.

Basada en eventos de la vida real, Adams está interno en una clínica de reposo mental por intento de suicidio. Ahí nota con alarma la actitud indiferente y desprendida de los médicos para con los pacientes. Resuelto y encontrando un nuevo motivo para vivir, sale de la clínica y se inscribe en la escuela de medicina. Así de simple.

El filme se las arregla para plantar una serie de obstáculos que "Patch" debe vencer: un implacable y vigilante decano, un envidioso compañero de habitación y una fría estudiante de la que Adams se enamora y eventualmente conquista colocándole una nariz roja de payaso.

Por supuesto, Patch los vencerá a todos y alcanzará sus metas, dejando a sus enemigos en ridículo. Eso es lo de menos. Cómo lo logra y llega a su feliz conclusión, es decepcionantemente predecible y poco profundo. Al principio el tema es tomado con seriedad, pero en la mitad de la cinta, simplemente la historia se desinfla.
 
Es difícil no ser cínico sobre una película que manipula a su audiencia con el tacto de un elefante caminando. La vida de Adams ha sido adornada con la clásica y gastada fórmula hollywoodense que contiene grandes dosis de humor, lágrimas y típicas escenas que buscan conmover al público. Tom Shadyac, el director, supo calcular dónde insertar el melodrama, e intensificarlo con la música apropiada, la iluminación y otros efectos de tono sentimental para crear emoción.
 
Robin Williams convence 100% con su interpretación. Pero ¿cúantas veces más lo vamos a ver en el mismo papel?
 
El verdadero valor de esta película está en el tema que trata: la desmoralizante experiencia que viven los pacientes de hospitales, lanzados a un sistema que los identifica por las enfermedades que padecen en vez de sus nombres. He ahí algo para meditar.

diciembre 27, 1998

The Price of Egypt - El Príncipe de Egipto

Publicada en 1998.

Príncipe de la esperanza

Libertad, hermandad, fé: nociones universales. Desde los escenarios majestuosos del antiguo Egipto, éstas 3 resuenan con fuerza para dar vida al logro más reciente en animación de los estudios DreamWorks SKG, El Príncipe de Egipto.

La historia del Exodo refleja la misma base sagrada e histórica de la cinta de Cecil B. DeMille, "Los 10 Mandamientos", pero se diferencia en el esplendor visual que derrocha en sus escenas, en su narrativa agresiva, en la acción y emoción que los personajes proyectan con su presencia.

El antiguo Egipto está magníficamente plasmado, con sus estatuas gigantes, sus pirámides y templos adornados con intrincados jeroglíficos. La presentación visual es impecable, con efectos de animación bien logrados. Las secuencias, como la liberación de las 7 plagas, son impactantes; personajes y banda sonora logran en esta épica crear momentos verdaderos de emoción.

El personaje principal: Moisés, príncipe egipcio quien descubre que, en realidad, desciende de esclavos hebreos y fue adoptado en su niñez por el Faraón Seti. 

Al enterarse de la verdad, Moisés huye sin rumbo y llega hasta el desierto, donde se une a un grupo de nómadas y aprende a ver la vida desde un nuevo punto de vista. También recibe una visita del Todopoderoso -en forma de arbusto en llamas-, quien le encomienda la misión de liberar a los esclavos hebreos que están en Egipto. Y por lo tanto, enfrentarse a aquel que una vez llamó hermano: Ramsés.

De ser un joven común, en Moisés nace un hombre resuelto cuando ve la injusticia que siempre estuvo frente a sus ojos. Del desconocimiento en el que vive por mucho tiempo, pasa a aceptar la responsabilidad de ser el líder de su pueblo, a fomentar una fé que lo ayuda a enfrentarse al faraón y no desfallecer en los momentos más difíciles.

Moisés, en la cruzada por la libertad de su pueblo, es el príncipe de la esperanza.

diciembre 14, 1998

Mulan

Publicada en 1998.


En busca de independencia, respeto y honor

Una oda de guerra, amor y honor. Basada en una leyenda china, Mulan es el relato de una joven que no encaja en las estructuras rígidas impuestas por su cultura tradicional, en cuanto al rol de la mujer dentro de la sociedad. Un espíritu independiente sentenciado a "nunca traer honor a su familia" por manifestar una manera propia de pensar y actuar.

En la época del feudalismo chino, el Emperador, quien debe confrontar un ataque de los Hunos, manda a reclutar un hombre por cada familia para que tomen su puesto en la futura guerra. El padre de Mulan, único hombre de la familia y atado a sus tradiciones, acepta su deber sin titubeos.

Y al igual que su padre, Mulan, sin pensarlo mucho, decide tomar su lugar, convirtiéndose en hombre. Corta su cabello, roba las armas de guerra de papá y se enlista en la milicia con el seudónimo soldado Ping. Y en el camino, se consigue 2 amigos muy caricaturescos, un simpático dragón llamado Mushu y su compañero, un grillo llamado Crikee. Ambos dan el toque de humor usual en este género cinematográfico.

En la vida militar, Mulan enfrenta un desafiante y riguroso entrenamiento, bajo la mirada crítica de su jefe de comando, el Capitán Shang. Y demuestra en el campo de batalla tanto inteligencia como valor. La historia de su búsqueda por defender el nombre de su familia y por lograr la aceptación de su manera de pensar es contada con gran estilo.

En Mulán, el largometraje animado número 36 de los estudios Disney, una vez más se tratan de alcanzar y explorar emociones y sentimientos como el amor familiar, el deber, el valor, el honor, la obediencia, la osadía, la voluntad y el trabajo en equipo. Nociones muy agradables para que niños y adultos, aprendan y practiquen.

diciembre 09, 1998

A Bug's Life - Bichos

Publicada en 1998.


Bichos que gritan por atención

Una fábula para todos acerca de la necesidad de creer en ti mismo.

La historia es probablememte uno de los mejores rasgos a resaltar en la película lograda de la alianza Disney-Pixar, A Bug's Life. La narración de la vida de una hormiga obrera llamada Flik y sus intentos por salvar a la colonia de la dominación eterna los flojos -pero fuertes- saltamontes, al tratar de reclutar una banda de insectos guerreros que resultan ser actores de circo, es totalmente encantadora y única. Gran parte de la trama es una sorpresa placentera para la audiencia; justo cuando parece descubrirse todo, un nuevo giro se da.

La cinta también se permite el lujo de tener una serie de increibles personajes que van creciendo a medida que se va desplegando en pantalla la trama. Flik pasa de ser una hormiga ingenua y optimista a un ser que defiende sus creencias y puede ser tomada en serio. Los miembros del circo son uno de los grupos más eclécticos y adorables de fracasados jamás vistos. Desde Slim, el insecto que parece un palillo y desea ser actor, hasta Francis, la mariquita que es hombre, tiene mal carácter y encuentra su lado sensible junto a la colonia.

Todo el grupo del circo añade color a la trama y al reparto en general, bien sea a través de sus travesuras, excentricidades y caprichos. Su crecimiento como un todo también debe ser notado. La pequeña Dot es encantadora en su rol de hormiguita con poca estima hasta crecer en la confiada líder de su grupito de exploradoras hasta ser finalmente princesa. Y la colonia sumisa, resignada frente a las órdenes de los saltamontes, luego tiene el valor de asumir una posición de enfrentamiento y revolución.

Los bichos, en efecto, son muy agraciados, pero es a través de sus extravagantes personalidades como finalmente conquistan la simpatía de adultos y niños.

En adición, existe un sólido trabajo realizado por los animadores de la cinta. El esplendor visual es espectacular. Este es un film que parece utilizar los colores más vibrantes de la paleta, brillantes verdes, azules profundos, rojos sólidos y pare de contar. El trabajo detallado en la animación es encomiable en cada rincón y gesto. Ambientes y personajes no se limitan a coexistir. Ambos aspectos colocan a la cinta en el tope de las mejores a nivel de logros artísticos.

No olviden quedarse hasta el final de los créditos, ¡no lo lamentarán!

diciembre 03, 1998

Deconstructing Harry - Los Enredos de Harry

Pulicada en 1998

Viaje hacia el infierno con tus demonios internos

En un caso donde el arte imita a la vida real, Woody Allen entrega su comedia Los Enredos de Harry. En ella conocemos a Harry Block, un escritor neurótico que le es infiel a todas sus esposas, es adicto a los sedantes, está obsesionado con el sexo, tiene gran afición por las prostitutas y humilla a todos sus amigos y familiares al exponerlos públicamente con el mayor descaro en los personajes de sus historias. Es un clásico personaje de Woody Allen.

A punto de ser homenajeado por una universidad, Harry deberá lidiar con sus inseguridades, malos hábitos y nervios mientras inicia un viaje donde interactuará en realidades duales -la de su vida convulsionada y los reflejos de la misma a través de los personajes de sus libros- y mostrará a la audiencia con humor negro su ineptitud para tener relaciones honestas y sus excusas absurdas para defender sus acciones. Se revolcará en su lado destructivo hasta literalmente irse al infierno.

Recomendar Los Enredos de Harry implica advertirles que entrarán a un mundo sórdido de fobias, obsesiones y neurosis, todo esto envuelto con una capa de vulgaridad y repugnancia que no disminuyen a lo largo de los 96 minutos de duración de la cinta.

Es un trabajo agudo y mordaz. Honesto y brutal, Allen nos regala un reparto estelar con personajes coloridos. Los diálogos son ingeniosos, llenos de cinismo, y causarán tanto risas como puntadas en el estómago. Pero agradezcamos la franqueza, no la critiquemos.

Es inevitable el no comparar los rasgos de la vida y personalidad de Allen con los de su personaje, Harry Block: su habilidad creando trabajos memorables y valiosos artísticamente hablando a pesar de los escándalos que rodean su vida personal, su personalidad ermitaña. y neurótica. ¿Por qué no puedo servir en la vida? Sólo sirvo en el arte...Su voluntad de utilizarse como chiste, su dureza consigo mismo es un éxito en Los Enredos de Harry, aun cuando lo lleva a los bordes de la autodestrucción.

El ingenio creativo de Woody Allen y su talento como cineasta una vez más dan de qué hablar. Así como Harry, la vida de Allen ha estado plagada de desorden y escándalos, pero ha demostrado ser un artista fenomenal. Y eso es lo único que debería importarle a la audiencia.


Cita Inolvidable:
Harry Block: What? You have air-conditioning in Hell?

The Devil: Sure! Fucks up the ozone layer!

noviembre 28, 1998

AntZ - HormiguitaZ

Publicada en 1998.


Hormigas demócratas

Pobre Z. Siente pena por él mismo. ¿Y quién puede culpar a la pequeña hormiga? Se siente despreciado, ignorado, como el hijo del medio en una familia de ¡5 millones!...

Se espera que cave y trague tierra hasta morir como un obrero más de la colonia, mientras las hormigas soldados obtienen respeto y admiración. Incluso cuando se queja con su psiquiatra de sentirse insignificante, la respuesta es: "Tu ERES insignificante".

Z-4195 cuestiona su rol en el universo. Esta hormiga protagonista de la cinta animada de los estudios Dreamworks está determinada a luchar por sus ideas y aspira a un destino mejor, diferente al que parece estar condenada.

HormiguitaZ es una cinta divertida, ingeniosa. La historia se basa en una vieja premisa: la lucha de un espíritu independiente que trata de romper barreras y validar su punto de vista, demostrando que la uniformidad de pensamiento no es algo bueno.

HormiguitaZ está llena de ideas y acción. Los directores Eric Darnell y Lawrence Guterman logran plasmar una sociedad pluralista, donde ni siquiera las hormigas son iguales. La animación utilizada en los personajes imita las diferecias que se encuentran en la vida real, tanto en los cuerpos, como en los rasgos y expresiones faciales. Y ni hablar de las personalidades.

HormiguitaZ es un reflejo de la sociedad en general que promueve el valor y la dignidad de cada persona.

Enemy of the State - Enemigo Público

Publicada en 1998.


Tecnología que controla tu vida

Los primeros minutos lo dicen todo. Si alguna vez has poseído una identificación, navegado en Internet, hecho una llamada telefónica o te han arrestado, tu vida es un libro abierto. 

En Enemigo Público, producción reciente de Tony Scott, un abogado se dará cuenta qué tan abierto está el suyo al ser lanzado a una red de intrigas que puede ser mortal. 

En víspera a la Navidad, inmerso en el ajetreo de las compras, un joven desesperado coincide con Robert (Will Smith). Las cámaras de seguridad del local capturan al agobiado sujeto deslizando un paquete en la bolsa de compras de Robert, quien no tiene idea ni de su contenido ni del hecho de que ahora es él quien lo posee. 

¿Qué es este misterioso objeto? Evidencia del asesinato de un congresista víctima de los planes maquiavélicos de Thomas Reynolds (Jon Voight), quien trabaja en la Oficina Nacional de Seguridad. 

De la noche a la mañana Robert se transforma en el blanco de una conspiración. Su vida ahora es oficialmente una pesadilla. Cancelan sus tarjetas de crédito, es desprestigiado públicamente en los medios y para completar de arruinarlo, cada uno de sus movimientos es vigilado por satélites con un radio de 150 millas. Una verdadera persecusión. 

La única esperanza de Robert es la ayuda de un sujeto renuente a colaborar con él; un experto en seguridad, espionaje y vigilancia, conocedor de todos los trucos y trampas. Brill, maestro en tecnología antigua y moderna, mezcla entre paranoico y genio, es quien puede ayudarlo a recuperar su vida, dándole a los villanos un poco de su propia medicina. 


Tony Scott, cuyas cintas famosas incluyen Top Gun, Días de Trueno y Crimson Tide, deja en Enemigo Público su sello a través de sus tomás frenéticas. Acción por doquier se puede encontrar en esta cacería donde no se puede confiar en nada ni nadie. 

Queda por notar el hecho de cuán vulnerables somos ante el uso de la tecnología; tan presente como está en nuestras vidas, no olvidemos que es un arma de doble filo.

noviembre 27, 1998

The Big Lebowski

Publicada en 1998


Todo por un tapete

Maude Lebowski: What do you do for recreation?
The Dude: Oh, the usual. I bowl. Drive around. The occasional acid flashback.


Diálogos como el anterior abundan en la cinta escrita y producida por los hermanos Coen, The Big Lebowski. Jeff Bridges es Jeff Lebowski, conocido como "The Dude", y es según el narrador, el hombre más vago de todo el condado de Los Angeles. Su vida consiste en jugar bowling con sus compinches, beber Rusos Blancos y drogarse cuando le provoca. Una noche como cualquier otra, dos esbirros entran a su casa y lo asaltan, buscando dinero para pagar las deudas de su esposa. 

El único problema es que "The Dude" no está casado, y aunque su nombre es Jeff, no es el acaudalado Jeff Lebowski que sí está casado con una mujer que le debe dinero a la gente equivocada. Luego del encuentro, que deja al "Dude" con un tapete destrozado, éste se reúne con sus amigos Walter y Donny, y concluye que debe buscar al "Jeff Lebowski" con el que lo confundieron y exigirle uno nuevo. 

"The Dude" es ignorado en la mansión Lebowski; sin embargo es llamado para que regrese unas semanas después, ya que la esposa de Lebowski ha sido secuestrada y creen que el crimen haya sido cometido por los mismos que irrumpieron en el hogar de "The Dude". El plan del Gran Lebowski es utilizarlo para que entregue el dinero de rescate solicitado por los secuestradores. "The Dude" acepta, pero en la entrega surge el dilema de quedarse con el dinero o darlo a los secuestradores. ¿La decisión tomada por él? Ciertamente la que  causa todos los problemas que siguen en la cinta....

The Big Lebowski es una historia compleja pero fácil de seguir. Las transiciones de un conflicto a otro, incluso de una escena a la otra, son realizadas de una manera muy original. De película en película los hermanos Coen se han caracterizado por hacer sus historias cada vez más extrañas y paradójicamente más entretenidas. 

No sólo es el guión, es la mezcla de sátira y las impecables actuaciones que hacen de la cinta una comedia 100% original. Cada escena, cada diálogo tiene un significado, nada es gratis en un film de los Coen, quienes en esta ocasión cuentan con el talento exquisito de Jeff Bridges como el vago que da la vida por su tapete.

noviembre 23, 1998

Pleasantville

Publicada en 1998. 

Colores que despiertan el alma


Luego de un "impasse" romántico con su novia a orillas del lago, Skip regresa a su casa y nota en el jardín una rosa roja que se mueve con el viento. Lo que hace tan inusual este evento común es que la rosa es el único destello de color dentro del mundo monocromático de Pleasantville.

En su debut como director, Gary Ross narra una fábula creativa, esta vez la de dos hermanos atrapados dentro de un programa de televisión de los años 50.

David (Tobey Maguire) y su hermana Jennifer (Resse Witherspoon) son transportados a un pueblo perfecto con clima agradable y donde el mayor reto de los bomberos es bajar gatos de los árboles. De un mundo a colores pasan a otro en blanco y negro, donde conocen a sus nuevos padres y amigos. Pronto los dos jóvenes se dan cuenta que la falta de color no es la única diferencia que tiene Pleasantville.

Este es un mundo idealizado sin sexo ni violencia, un lugar donde los jugadores de basketball siempre encestan las pelotas, los padres duermen en camas separadas, no existe el fuego ni la lluvia y el termómetro siempre marca 23 grados.

Pero como David y Jennifer descubren, tanta "perfección" también es sinónimo de aburrimiento, de conformidad, de poca imaginación.

Juntos, los dos hermanos se encargan de esparcir rebelión y dar algo de color al pueblo. No pasa mucho tiempo sin que algunos ciudadanos de Pleasantville encuentren atractivos estos cambios y los abracen con pasión. Los labios se tornan rojos, las mejillas rosa, el sexo se convierte en la gran sensación.

Pero para otros, el color se convierte en amenaza. Los monocromáticos comienzan a desconfiar de quienes se ven a colores. Así, el prejuicio y la discriminación forman parte ahora de Pleasantville.

Este filme juega con nuestra comprensión de las reglas que siguen algunos programas de televisión, donde planteamientos como "todo tiempo pasado fue mejor" y la "vida paradisíaca" abundan. 

Pleasantville tambien funciona como una metáfora sobre la elección de vivir en una conformidad segura pero desesperanzadora o disfrutar los placeres que vienen con la libre voluntad de ser y pensar. Y en la libre voluntad nacen los verdaderos sentimientos y emociones. En tener esa posibilidad para escoger, para equivocarse, en la esperanza que eso implica, yace el mensaje mas importante de esta hermosa cinta.

noviembre 21, 1998

Jackie Brown

Publicada en 1998


El Retorno de Quentin

Para todos aquellos que deliramos con sus historias ácidas, llenas de violencia y la música más original, Quentin Tarantino está de regreso.

Jackie Brown abunda en personajes que a través de una historia la cual nunca deja ver qué rumbo va a tomar, se van relacionando unos con otros, se utilizan y traicionan para obtener lo mejor para cada quien. Pam Grier es Jackie, una aeromoza cuarentona que está tratando de mejorar su calidad de vida. Cuando es puesta bajo custodia por el agente especial Ray Nicolet, se revelan muchos detalles sobre su pasado.

Jackie trabaja para Ordell Robbie -Samuel L. Jackson-, un traficante de armas astuto que acaba de volver a asociarse con su compañero Louis Gara, un  oscuro e inteligente ex-convicto que Robert De Niro lleva a la vida sin problemas. También están Melanie (Bridget Fonda), la novia sexy y floja de Ordell y finalmente Robert Forster, nominado al Oscar® por su interpretación de Max Cherry.

Tarantino tiene un manejo asombroso y diferente de la cámara y lo demuestra en Jackie Brown, aplicando su toque personal  para crear una historia con un estilo que recuerda a su obra maestra, Pulp Fiction. 

La película además cuenta con excelentes actuaciones. Pam Grier está perfecta como Jackie, una mujer que está determinada a no dejar ser explotada. Si puede evitarlo, no va a terminar pobre. Sus aliados son Michael Keaton y Robert Forster, perfectos en sus caracterizaciones como hace tiempo no se veían.

Samuel Jackson y Robert De Niro también dan la talla en Jackie Brown. Jackson es intenso, con un ritmo y química que explotan la pantalla. A su lado están Bridget Fonda y De Niro, los peones cuyo sacrificio en el juego sólo aumentan la tensión hacia el explosivo final.

Unión beneficiosa

La primera vez que Quentin Tarantino se topó con Elmore Leonard, fue a la edad de 15 años, cuando leyó The Switch. Desde entonces, su influencia se ha hecho manifiesta en la manera como Tarantino cuenta sus relatos. 

Curiosamente, los personajes de Ordell, Louis y Robbie, piezas clave de Jackie Brown, aparecieron por vez primera en este libro. 15 años después regresaron en Rum Punch, que sirvió como historia base para que Tarantino probara sus habilidades en adaptación de guiones.Leonard es un famoso escritor de historias criminales y policíacas, caracterizado por utilizar diálogos graciosos, irónicos y personajes que son la máxima expresión de lo peor que se puede esperar de los seres humanos.

Entre algunos de los cambios que hizo Quentin a la historia original, estuvieron el cambio de escenario: del Sur de la Florida al Sur de Los Angeles, región conocida por Tarantino "como la palma de su mano". Otro de los cambios fue Jackie, personaje central, que en la novela es una mujer blanca. QT decidió seleccionar a Pam Grier porque, aparte de ser su admirador, "el hecho de que fuera negra y no blanca la hacía correr más riesgos en la historia".

Para Quentin, adaptar el trabajo de Leonard, fue un reto estimulante. "Quería mantener su humor seco sin tratar de ser muy chistoso. Ese era el balance que buscaba en Jackie Brown".

Cita inolvidable:
Robbie Ordell: I got some "for-your-eyes-only" shit to show you.

noviembre 19, 1998

Amaneció de Golpe

Publicada en 1998.


Todo cambió al amanecer
 

Miguel e Isbelia al borde de una crisis. Aníbal y Veitía celebran el éxito de una negociación. Luis Alberto asusta a Dolores y a Gertrudis con un dolor abdominal. José Manuel y Betzaida prueban ser románticos en el Avila. Paloma espera pacientemente por Miguel. El Coronel Vergara regresa de un viaje. Beatriz ya no desea continuar su matrimonio. Una noche común y corriente. Pero bastaron sólo unos minutos para hacer de ella una experiencia que hizo reflexionar a estos personajes y los enfrentó con un amanecer lleno de incertidumbre. Una noche que marcó la historia de Venezuela.

La nueva película del director Carlos Azpúrua, Amaneció de Golpe, basada en el último guión que escribiera José Ignacio Cabrujas, abre la discusión en torno a la crisis del sistema político venezolano y la interpretación que cada individuo puede darle para solucionar tal problemática.

Con un reparto estelar, la cinta evoca los acontecimientos vividos en el país el 4 de febrero de 1992, cuando fuerzas militares intentaron tomar el poder político.

La visión de tales hechos es expuesta en las historias vividas por los diferentes personajes de la cinta. Cada uno de ellos a su manera, en medio de sus crisis y problemas cotidianos, se ven obligados a reflexionar sobre lo que significa la libertad. Y sus reacciones ante el golpe sólo revelan la crisis de valores en la que se encuentra la sociedad. Las conclusiones son dejadas al espectador.

Humor negro, tragedia y crítica, elementos característicos de Cabrujas, se hacen presentes en la cinta. Azpúrua trató de interpretar su guión guiado por la frase "La noche en que valoramos la democracia". "Hemos mantenido un gran respeto por el trabajo de Cabrujas, porque aunque todos sabemos que un guión cambia durante el rodaje, sabíamos también que era un mensaje de amor y esperanza que José Ignacio enviaba para todos nosotros".

noviembre 17, 1998

A Perfect Crime - Un Crimen Perfecto

Publicada en 1998


Lejos de la perfección

Un marido despiadado. Una esposa infiel. Un amante dispuesto a la traición. Un plan. La posible ejecución de un crimen amenaza con ensombrecer la vida de estos personajes en la más reciente producción de los estudios Warner Bros Un Crimen Perfecro.

Steven Taylor (Michael Douglas), hombre de negocios de las más altas esferas sociales de New York es un millonario calculador y frío, casado con Emily Bradford (Gwyneth Paltrow). A ratos tímida y otras veces impetuosa, Emily trabaja como traductora y asistente del embajador de los Estados Unidos en las Naciones Unidas.

Para Talylor su esposa es una de sus más valiosas y apreciadas adquisiciones. Pero el ser sólo un objeto decorativo en el mundo de su esposo ha lanzado a Emily a los brazos de un joven artista llamado David Shaw (Viggo Mortensen).

Pero el hecho es que Steven descubre el romance y esto cambia por completo el futuro de Emily y David; incluso el de Steven. La ira y los celos desatan en su mente un diabólico plan: cometer un crimen perfecto. Sin olvidar el hecho de que al morir Emily, él sería el único beneficiario de los 100 millones de dólares de su fideicomiso.

Por supuesto, Steven no será quien ensucie sus manos llevando a cabo el asesinato. ¿Qué mejor persona para ser el asesino que el amante de su infiel esposa? Contando con el dinero como su aliado, Steven se las arregla para involucrar a David, quien parece muy interesado en el plan y dispuesto a ejecutarlo.

El panorama se complica, para Steven, Emily y David. Después de todo, un crimen perfecto puede ser tan imposible de lograr como un amor perfecto.

Para Michael Douglas no es problema encarnar al implacable Steven Taylor. Gwyneth Paltrow encaja perfectamente en el rol de esposa trofeo. Viggo Mortensen es sensual, misterioso y algo atemorizante como el amante de Emily.

Basada en la obra de Fredrerick Knott, Dial M for Murder, llevada a la gran pantalla por Alfred Hitchcock en 1954 con el mismo nombre, Crimen Perfecto está lejos de ser una mejor versión de la cinta que una vez fuera protagonizada por Ray Milland, Grace Kelly y Bob Cummings.

Crimen al estilo Hitchcock
El año: 1954. La película: Dial M for Murder, un drama psicológico, enigmático y misterioso. El director: nada más y nada menos que el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock. Los actores: Ray Milland, Grace Kelly, Bob Cummings y John Williams.

Implementando el uso de cámaras en 3-D y principalmente un solo set, Hitchcock explora el teorema de cómo y si es posible crear un crimen perfecto, en este caso un asesinato.

Un antiguo campeón del tennis (Milland) casado por conveniencia con una joven de alta sociedad (Kelly), decide ejecutar un plan para matarla y heredar su fortuna, luego de conocer que le ha sido infiel durante algún tiempo. Un plan pensado durante meses, cuidando cada detalle; un proyecto que parece ser perfecto, falla en el último minuto. La esposa se convierte en la asesina y sólo un policía (Williams) con buen olfato es el que logra ver más allá de de su nariz y resolver el enigmático crimen presentado por Hitchcock.

Hitchcock planeó cada escena, cada ángulo de cámara cuidadosamente. Fue en este film que Hitchcock hizo una de sus más famosas citas. Luego de observar una de las secuencias, ordenó que ésta se volviera a filmar. Todo estaba perfecto menos una cosa: el arma asesina. "Las tijeras no brillan" dijo el director. "Tijeras que no brillan son como espárragos sin salsa bearnaise".

En 1954, el gatillo es disparado por medio de una oportuna llamada desde un teléfono público. En 1998 por medio un teléfono celular. Pero no es sólo este detalle el que diferencia a Dial M for Murder de Crimen Perfecto.

Cuando Hitchcock filmó su película, lo hizo respetando casi religiosamente la obra original de Fredrerick Knott y utilizando sólo cámaras en 3-D. El resultado es una mezcla de drama y suspenso filmado en su 90% en un solo set, el apartamento donde se comete el crimen.

En Dial M cada escena e incidente estaban entretejidos unos con otros. Eran eventos singulares y a la vez partes de un todo que en el final ofrecen, no sólo la solución del crimen sino una cinta que es prueba elegante del teorema presentado por Hitchcock. En contraste, Crimen Perfecto es un sucesión de escenas muy buenas, con estilo y movilidad, que buscan impresionar al espectador, pero podrían ser mejores si se apoyaran más unas con otras.

Exito más allá de los genes
Con más de 25 películas en su haber, Michael Douglas es quizás uno de los actores más polifacéticos y cotizados de la industria del cine en Hollywood.

Nacido un 25 de septiembre de 1944 en New Jersey, Estados Unidos, Douglas es hijo del también célebre actor Kirk Douglas. Después de asistir a la Universidad de Santa Bárbara y graduarse en Artes en 1968, Douglas continuó su preparación artística en New York.

Luego de trabajar en algunas obras teatrales y papeles ocasionales en televisión, fue considerado para el papel coprotagónico del detective Steve Keller en la exitosa serie de la década de los setenta, "las Calles de San Francisco".

Alternando con su trabajo en televisión, Douglas encontró el tiempo para crear su compañía productora cinematográfica Big Stick Productions, Ltd. Su primera producción para la gran pantalla fue la cinta "Atrapado sin Salida", que en 1975 fue laureada con 5 premios de la Academia® y se convirtió en una de las películas más taquilleras de ese año.

Otros éxitos producidos por Douglas fueron el Síndrome de China, Línea Mortal, Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida y más reciéntemente Contracara y The Rainmaker. Entre producir y protagonizar cintas como A Chorus Line, La Joya del Nilo y Coma, en 1987 su interpretación como el despiadado y maquiavélico Gordon Gekko en Wall Street le sirvió para recibir su segundo Oscar®, esta vez como Actor Principal.

noviembre 15, 1998

Out of Sight - Un Romance Peligroso

Publicada en 1998.


Polos opuestos se atraen

Jack Foley (George Clooney), ladrón de profesión, camina fuera de un edificio, lanzando furioso su corbata al piso. La razón de su furia se explica en las 2 siguientes horas.

Luego de un robo elegante a un banco, tan bueno como el de Brad Pitt en Thelma y Louise y con un estilo muy Cary Grant, Foley se encuentra con que su auto no arranca, lo que lo condena al destino final de algunos ladrones: la cárcel.

Obviamente Foley no se va a conformar con quedarse en prisión, así que planea su fuga. Así Foley conoce a su antagonista, la Marshall Karen Sisco (Jennifer López).

En medio de la huída, Karen y Foley son encerrados en la maleta de un carro y allí las chispas de un posible romance comienzan a brillar. La química entre ambos personajes salpica la pantalla de erotismo. Días más tarde, cuando cada uno está por su lado, todavía piensan uno en el otro.

Foley, el ladrón que nunca ha usado un arma para robar a nadie, y Karen, la policía que no lo piensa antes de utilizar la suya, son la prueba de que si existe la perfecta pareja dispareja.

Todo este cuento sirve para desarrollar una historia algo salvaje, donde participan también  Ving Rhames, Dennis Farina, Albert Brooks, Don Cheadle y algunos cameos de famosos como Michael Keaton.

La cinta se balancea entre comedia y acción; por ella desfilan demasiados personajes como para seguir la pista de todas sus historias, ya que la acción se centra en los protagonistas y el interés que despierta la interrogante de cómo terminará su relación.

Un Romance Peligroso tiene elementos que podrían hacerlo un buen filme, pero el director Steven Soderbergh pierde la pista de su película demasiadas veces, afectando su ritmo y dejándonos con una serie de escenas candentes entre sus protagonistas, que al final, no son muy interesantes.

noviembre 10, 1998

Scream 2 - La Máscara de la Muerte 2

Publicada en 1998

Y ahora...¿Quién es el asesino?

La pareja romántica ve la última película de horror basada en la conocida tragedia ocurrida en Woodsboro hace 2 años gracias a la publicación de un libro por una de las sobrevivientes de la masacre, la periodista Gale Weathers.

En medio del frenesí, las máscaras y los cuchillos de regalo, las cotufas, los refrescos y los dulces, Él está como un espectador más, seleccionando la primera víctima...y es la pareja la que saca el número ganador en esta nueva entrega de muertes que da inicio a La Máscara de la Muerte 2.

Las víctimas son estudiantes de la misma universidad a la que asiste Sidney Prescott, otra sobreviviente de los crímenes de Woodsboro. Ahora cuando el asesino parece haberse despertado de su lecho, las pesadillas de Sidney están más vivas que nunca.

Las muertes se suceden una a una durante la cinta. Los sospechosos: todo aquel que todavía respira. Nuevos personajes y otros de la primera "Máscara" se pasean en la pantalla como posibilidades.

Hacer la continuación de una película no es cosa fácil. La frescura y originalidad se pierden por motivos obvios. Así también sucede en La Máscara de la Muerte 2. Abusa de las muertes brutales, de la cantidad de sangre. Incluso se burla de las películas de su género y los fanáticos amantes de secuelas. Una opción para pasar el rato, si uno está de humor para tolerar más de lo mismo.

noviembre 07, 1998

Afterglow - Después de la Pasión

Publicada en 1998.

Después de la pasión puede haber chance para el amor


En las calles de Montreal se esconden las historias de dos matrimonios que están tratando de hallar su camino.

Los veteranos Julie Christie y Nick Nolte interpretan a Phyllis y Lucky Mann, una pareja que a primer vista es amable el uno con el otro, separada y unida a la vez por un terrible secreto.

Lucky es un carpintero-plomero-pintor que más allá de ser habilidoso al reparar viviendas, tiene la cualidad de complacer a las múltiples mujeres que lo contratan. Phyllis por su parte, es una ex-actriz de segunda que conoce las aventuras de Lucky y las acepta mientras llena sus días viendo sus películas viejas en TV.

El segundo matrimonio lo conforman Lara Flynn Boyle y Jonny Lee Miller como Marianne y Jeffrey Byron. Marianne es una ama de casa aburrida que escucha su reloj biológico hacer tic-tac y quiere desesperadamente un hijo, pero su egocéntrico esposo al parecer no tiene interés en nada que no sea escalar la pirámide corporativa.

Así que cuando Lucky entra a casa de los Byron para realizar unas remodelaciones, Marianne ve en él la respuesta a sus desesperadas hormonas. Coincidencias del destino harán que Phyllis y Jeffrey también se involucren románticamente.

Una vez que conocemos a los personajes, Rudolph nos ofrece una historia llena de excelentes diálogos, románticas coincidencias y un dolor escondido que se asoma en pantalla. Nos plantea las relaciones de este cuarteto y el por qué de sus acciones. Nos obsequia una pasión que se diluye poco a poco hasta desenterrar el amor oculto en el alma de sus protagonistas.

noviembre 03, 1998

Hope Floats - Vientos de Esperanza

Publicada en 1998

Regreso a casa

¿Quién puede imaginarse la vergüenza de participar en un programa de opinión transmitido por televisión nacional para escuchar de la boca de tu mejor amiga que tu esposo tiene un romance con ella? Sandra Bullock (The Net, Speed), quien regresa a la pantalla grande en la producción de los estudios Twentieth Century Fox, Vientos de Esperanza.

Bullock interpreta a Birdie Pruitt, una mujer con una vida que parecía perfecta hasta que es sorprendida con la verdad sobre los amoríos secretos de su esposo. Devastada, toma a su pequeña de 8 años y se va hasta Smithville a consolarse en casa de mamá.

Pero el regreso al pueblo del que huyó cuando tenía 17 años y era Reina de la Feria está plagado de más lágrimas. No sólo tiene que lidiar con su depresión sino con una hija que está tan confundida como ella, enfrentar a los vecinos y supuestas amigas, una madre con una visión muy particular de la vida y un amigo de la infancia que siempre ha estado enamorado de ella.

El director y también actor Forest Whitaker (Laberinto de Pasiones) usa su lente para capturar la esencia de la vida de un pequeño pueblo y guía  al reparto a mostrar las realidades de sus vidas.

Los elementos de la trama son simples y sumamente predecibles. Una cinta no puede basarse sólo en buena dirección, fotografía y buenas interpretaciones; todas tienen sus límites. Equilibrar estos elementos contra un guión flojo lleno de grandes diálogos pero disperso no es tarea fácil de lograr.

Vientos de Esperanza es una cinta que cumple con su cometido de mostrar a una heroína con el corazón roto que deberá derramar unas cuantas lágrimas para luego renacer y encontrar a su príncipe azul.

octubre 30, 1998

Halloween H20

Publicada en 1998.

Noche de brujas con sabor a muerte

Una noche de brujas hace dos décadas comenzó la pesadilla para Laurie Strode, quien conoció la cara de la muerte cuando un psicótico llamado Mike Myers la hizo el blanco de su persecusión sangrienta. Ahora, 20 años después, Laurie tendrá otra cita con su pasado.

¿Qué podría ser tan especial sobre la séptima secuela de Halloween? Nostalgia y tal vez curiosidad. La nostalgia por ver de nuevo a Jamie Lee Curtis regresando al rol que la inmortalizó como la Reina del Grito. O la curiosidad por conocer que ocurrió con Laurie en los últimos 20 años. Ver el adulto en el que se ha convertido.

La dosis usual de muertes, sangre, gritos y sustos repentinos no están ausentes en "Halloween: 20 Años Después". Era de esperarse. Después de todo, ES una película de terror.

Preguntas como dónde estuvo Myers todos estos años, o qué fuerza maligna lo lleva a cometer sus crímenes podrían proveernos detalles para completar la historia, pero lamentablemente no son respondidas.

Lo que sí nos ofrece esta historia son cameos de Janet Leigh (¿Recuerdan a Marion Crane, de Psicosis, la original? Y madre en la vida real de Curtis) y Nancy Stevens, como la enfermera Wittington, de la primera Halloween. Lo que nos ofrece es ver la confrontación entre el villano enmascarado y la reina de los gritos.

Ciertamente Laurie es ahora una adversaria más interesante. Mayor, más sabia y más dura que la niñera adolescente que dos décadas atrás corría para salvar su vida hace 20 años. Ahora ya no huye de nada.

octubre 27, 1998

What Dreams May Come - Más Allá de los Sueños

Publicada en 1998

El amor todo lo puede

Chris y Annie forman un matrimonio perfecto; se consideran almas gemelas y no pueden imaginarse la vida el uno sin el otro. 

Pero su amor es puesto a prueba cuando sus hijos mueren. Y esto es sólo el principio.

¿Podrá su amor sobrepasar los límites que dividen el cielo y el infierno? La respuesta la encontrarán en esta historia que propone la noción de que nosotros creamos nuestro propio mundo en el cielo.

Profundamente conmovedoras son algunas escenas de Más Allá de los Sueños. La vida y muerte de una familia se pasean en pantalla reforzados con un esplendor visual que opaca a la historia y sus personajes.

La cinta toma su título (What Dreams May Come) de una frase usada por Hamlet cuando este contempla la idea de suicidarse. Los temas que trata son poderosos: la muerte de los hijos, la muerte de la pareja, incluso la decisión de sacrificar mascotas.

"En el cielo nosotros pintamos nuestros propios ambientes", dice uno de los personajes de la película. Importante, entonces, es tener en vida el corazón lleno de buenos sentimientos para hacer los paisajes más hermosos en el más allá.

octubre 22, 1998

City of Angels - Un Angel Enamorado

Publicada en 1998

Eternidad feliz vs. ¿vida mortal

No tienen sentido del gusto, olfato y tacto. Escuchan música celestial al amanecer y en el ocaso. Desde las alturas pasan los días observándonos y de vez en cuando intervienen para dar apoyo a aquellos seres humanos que los necesitan. Son ángeles y son invisibles.

Seth (Nicolas Cage) es uno de los muchos ángeles que deambulan por la Tierra mientras investiga cómo es la existencia humana. Mientras ayuda a un moribundo hacer la transición de la vida a la muerte, queda cautivado por la voluntad y determinación de su doctora Maggie Rice (Meg Ryan) de no dejarlo morir, incluso cuando todo ya está perdido.

Seth trata de consolar a Maggie por la muerte de su paciente infructuosamente y sin querer, pronto los dos se enamoran. El descubrimiento de que Seth es un ángel y que su amor está condenado vislumbra un futuro triste e infeliz. 

Pero si es su voluntad, un ángel puede abandonar la eternidad y cambiar sus alas por un verdadero cuerpo humano. Y ¿será Seth capaz de dejar su inmortalidad sólo por el amor que siente por ella? ¿Maggie corresponderá a sus sentimientos?

La película trata de ofrecer una cierta meditación en temas como el escepticismo, el autoconocimiento, las experiencias que cambian la vida y la idea de que existen dos dimensiones -la humana y la espiritual-.

A través de las interpretaciones de Meg Ryan, Nicolas Cage, Dennis Franz y Andre Braugher y una banda sonora que oscila entre la emotividad y la sensualidad, el film logra un impacto emotivo que se concentra en resolver si es el amor lo suficientemente importante como para abandonarlo todo, incluso la eternidad feliz, a cambio de la maravillosa sensación de vivir.

octubre 08, 1998

8 MM

Publicada en 1998

Barbarie oculta bajo la faz de la pornografía

En una lujosa mansión en la Costa Este de los Estados Unidos, una cinta filmada en ocho milímetros contiene escenas de lo que parece ser una película pornográfica. La viuda de un magnate descubre la grabación entre las posesiones de su difunto esposo.

Y al observarla, impacta el hecho de que esta parece ser la filmación de un asesinato. En manos del detective Tom Welles (Nicolas Cage) está descubrir la verdad que oculta la cinta. ¿Será un homicidio verdadero o simplemente una representación muy veraz de un acto brutal?

Mientras más se acerca Welles a la verdad, se da cuenta que la verdadera amenaza de este caso puede estar en su propia mente. Como sabiamente le dice Max California (Joaquin Phoenix): "Cuando bailas con el diablo, el diablo no cambia. Él te cambia a ti".

La más reciente producción del director Joel Schumacher (Flatliners) en colaboración con el guionista Andrew Walker (Seven) da como resultado un filme incómodo, donde el mundo es sádico y brutal.

Ocho Milímetros ofrece una visión de los valores extremos y contradictorios en Norteamérica -puritanismo contra vulgaridad- y la capacidad de los seres humanos de albergar tanto bien como mal. Moraleja: la pornografía es mala. No me digan.

octubre 04, 1998

Ever After - Por Siempre: Una Historia de Amor

Publicada en 1998. 

El hechizo no murió a la medianoche

Más allá de ratones que cantan y calabazas transformadas en carrozas que desaparecen con la última campanada que indica la llegada de la medianoche, Por Siempre: Cenicienta, una Historia de Amor, es una encantadora reinterpretación del clásico cuento de hadas.

Danielle (Drew Barrymore) pierde su padre a los 8 años, quedando bajo el cuidado y las órdenes de su madrastra, la Condesa Rodmilla (Anjelica Houston). Notando su fortaleza de carácter, Rodmilla toma ventaja sobre la pequeña y le asigna las tareas del hogar, labores que ella cumple durante 10 años. Son estos quehaceres y las enseñanzas de su padre los que hacen de Danielle una joven trabajadora, defensora sus ideales a toda costa.

No es una sorpresa cuando Danielle conoce al Príncipe Henry -futuro heredero de la corona francesa-, que él quede atrapado por su inteligencia y pasión. Desafortunadamente, creyendo que no está a su altura, Danielle miente acerca de su condición social.

Se necesita mucho ingenio para crear y despertar interés por una historia que ha sido contada miles de veces, pero los guionistas de Por Siempre... están a la altura de la tarea. Asimismo, sus directores de fotografía y vestuario capturan el esplendor de la época con gran colorido visual.

Las actuaciones son buenas, logrando el reparto entero buena química. Drew Barrymore trae a la vida a una Cenicienta con gracia. Como su madrastra, Anjelica Houston es gloriosa y parece haber nacido para interpretar el malvado rol.

Por Siempre... resulta ser encantadora de principio a fin. Sobre todo porque esta joven no necesita de calabazas, hadas madrinas o príncipes, para vivir por siempre feliz.

septiembre 28, 1998

Snake Eyes - Ojos de Serpiente

Publicada en 1998.

De Palma en caída libre

Flashbacks, cámaras subjetivas y Steadycam. Ojos de Serpiente es un producto 100% Brian De Palma.

Nicolas Cage es Rick Santoro, un policía poco honesto, que se ve envuelto en un crimen y tiene que lidiar con el conflicto de dejarse comprar una vez más o arriesgarlo todo y hacer lo correcto por primera vez.

De Palma inicia la película con una sorprendente toma de 15 minutos en Steadycam, mientras Santoro va caminando a través de las paredes de un Hotel-Casino en Atlantic City hasta llegar a la arena donde se va a efectuar una pelea de boxeo. En el trayecto se consigue con algunos personajes que jugarán un papel importante en la trama, hasta llegar al lugar donde su mejor amigo, el Comandante de la Marina Kevin Dunne, lo espera para disfrutar en primera fila de unos cuantos golpes y algo de acción.

En medio del barullo de las 14.000 personas que observan el combate, una mujer entra en escena y antes que todos se percaten se comete un asesinato del que nadie es testigo. Y Rick en medio de todo este caos y olfateando una buena oportunidad para hacer algo de relaciones públicas, toma las riendas de la investigación.

Decir algo más sería revelar la trama entera, porque aquí cualquier detalle es crucial; así de frágil es la historia. Aquel que esté medianamente atento no tendrá problema en deducir quién es el asesino. Algo decepcionante, tomando en cuenta el trabajo que De Palma hace con sus recursos técnicos. El misterio se evapora durante los primeros 45 minutos de la cinta.

El recurso de la cámara subjetiva muestra la visión de varios personajes sobre un mismo hecho: cada uno aporta una nueva pieza al rompecabezas y es interesante cómo se logra ensamblar la trama partir de partes separadas.

Pero toda esta parafernalia no compensa lo endeble de la historia, los personajes poco desarrollados, lo aburrido de algunos escenarios y un desenlace anticlimático, demasiado común y corriente.

septiembre 27, 1998

My Cousin Bette - Mi Prima Bette

Publicada en 1998

Dulce Venganza

Basada en la novela de Balzac y desarrollada en la Francia pre-revolucionaria, Mi Prima Bette narra la historia de una familia aristocrática que es humillada por las manipulaciones maquiavélicas de una mujer.

Bette es sacrificada en su juventud para lograr el avance social de su prima Adeline, sacrificio que la hace objeto de burlas debido a su apariencia y estado civil (soltera). Ella trabaja como modista en el Teatro Des Variétés, específicamente para la muy cotizada y deseada actriz, Jenny Cadine (Elisabeth Shue).

Su gris existencia toma un poco de color cuando salva la vida de un joven escultor hambriento llamado Wenceslas, a quien protege y reinventa en su mente como su amante; pero no pasa mucho tiempo hasta que vuelve a ser víctima una nueva decepción.

Hastiada de tanta humillación, Bette arma un intrincado complot de venganza contra todos aquellos que la han herido.

Aunque el comienzo es algo lento, una vez que Bette comienza a desarrollar su plan la película acelera su paso y a través de la pantalla desfilan una serie de personajes bastante despreciables en vías a un destino plagado de malicia y desgracias.

El film carece de la complejidad o intensidad del libro de Balzac, el cual brinda una visión más rica sobre la situación social de la época. La importancia de la clase, el drama humano por la pérdida del status y la relación entre dinero y poder fueron nociones incorporadas por Balzac en su novela.

Ganadora 2 veces del Oscar®, Jéssica Lange ofrece una interpretación sobresaliente como la monstruosa Bette, sin conciencia y con cara de ángel. Por su parte, Elizabeth Shue (Leaving Las Vegas) se roba el show en su divertido papel de cortesana con cierta tendencia a mostrar su trasero en pleno escenario.

septiembre 17, 1998

The Wings of the Dove - Las Alas de la Paloma

Publicada en 1998

El amor y el interés fueron al campo un día

Las Alas de la Paloma es un drama que retrata el conflicto entre valores morales y las tradiciones antiguas de la sociedad británica del siglo XIX, esa que valoraba la fortuna y la posición económica como rasgos imprescindibles para establecer relaciones y de personajes que se debaten entre principios como la honestidad y la lealtad y carencias como el odio, la ambición y la lujuria.

Basada en la novela del escritor Henry James, la historia nos presenta a Kate Croy, interpretada por Helena Bonham Carter, una joven presa entre la pasión y la seguridad. Al quedar huérfana, su tía  se encarga de rescatarla de la pobreza, la convierte en una dama y la prepara para que logre un matrimonio decente.

Pero Kate, aunque desea disfrutar de los privilegios de su nueva vida aristocrática, está perdidamente enamorada de un periodista de clase baja llamado Merton Densher, con quien se encuentra a hurtadillas para consumar su pasión.

El obstáculo a su relación se presenta cuando la tía de Kate le da un ultimátum y la amenaza con desheredarla si no deja de ver a Merton. El infeliz panorama para Merton y Kate cambia cuando entra en escena una joven millonaria llamada Millie Theale. 

No es poca la angustia que este triángulo amoroso vive en la pantalla mientras irónicamente la felicidad que tanto buscan parece escaparse, prueba de que no hay triquiñuela que valga cuando el destino toma nuestras vidas en sus manos.

agosto 28, 1998

Lethal Weapon 4 - Arma Mortal 4

Publicada en 1998.

Más mortales que nunca
 

Más acción. Más comedia. Riggs y Murtaugh están de vuelta. La franquicia de películas Arma Mortal hace su última entrega, en un mezcla de romance, secuencias de acción, humor, villanos y héroes. 

En esta ocasión, Martin Riggs y Roger Murtaugh se enfrentan a un gangster chino llamado Wa Sing Ku, quien trata de establecer al crimen organizado en Estados Unidos con la entrada ilegal de inmigrantes chinos, dinero falso y contrabando. Cuando los recién ascendidos capitanes Riggs y Murtaugh están tras su pista, la batalla se hace personal.

Un nuevo personaje se une a este reparto: Chris Rock, quien brinda a esta nueva cinta su dosis de humor. 

El villano es interpretado por la famosa estrella de películas de acción de China, Jet Li. Su interpretación como Wa Sing Ku asegura al espectador unas cuantas escenas de peleas. Es frío, calculador, disciplinado y conoce de artes marciales. 

Para todos los que trabajaron en la película, realizar esta nueva cinta significó tanto un reto creativo como a nivel de entretenimiento. Dijo Mel Gibson: "Es sumamente difícil hacer algo bien dos veces. Más difícil es lograrlo tres veces y cuatro es casi imposible. La ventaja en este caso es que nosotros realmente nos disfrutamos, comprendemos a los personajes y tenemos excelentes relaciones con los productores. Somos capaces de llevarlo todo a la pantalla con integridad total". 

Fórmula exitosa
 
No hay duda que el éxito de las películas de Arma Mortal se debe en su mayor parte a la química que existe entre sus personajes. Todo comenzó en 1987, cuando fue estrenada Arma Mortal y conocimos por primera vez a Murtaugh y Riggs. La empatía que transmitían Glover y Gibson por pantalla y sus impecables actuaciones fueron elementos de peso que convirtieron a la cinta en una de las que recaudó mayor taquilla ese año. Tal química no sólo existía en pantalla. Ambos actores desarrollaron una amistad que dura hasta la fecha. 

Así que, cuando nació la idea de una secuela, tanto actores, equipo de producción como los espectadores estaban ansiosos por nuevas escenas de acción, así como más de los dos alocados policías. En 1989, Arma Mortal 2 superó el éxito de su predecesora. La química todavía estaba ahí. Asimismo, contaron con la alianza al reparto de Joe Pesci, quien como Leo Getz entró en sintonía total con Gibson y Glover. 

Tres años después, Arma Mortal 3 acabó con la taquilla y se coronó como la cinta más taquillera de la franquicia. De nuevo reunidos Mel Gibson, Danny Glover y Joe Pesci, además de la recién llegada René Russo, hicieron posible el funcionamiento de la triunfadora fórmula de las dos cintas anteriores. 

Ahora llegó el turno de Arma Mortal 4. Para Donner, no contar con alguno de sus antiguos protagonistas sería "entregar la película incompleta". La vieja pandilla se reunió y en su camino adoptó nuevos peronajes. 

Director Mortal
 
Productor y director de la saga "Arma Mortal", Richard Donner podría ser catalogado como maestro de las películas de acción. Comenzó su carrera como director en series de televisión que pronto se convirtieron en grandes éxitos, como Dimensión Desconocida y El Fugitivo. 

Su filmografía incluye éxitos como El Rescate, El Complot (ambas con Mel Gibson), Superman, La Profecía, Maverick, Arma Mortal y Los Goonies, entre otras. 

Su regreso a la dirección en esta nueva secuela ha asegurado a los espectadores el mismo tipo de acción y estilo, combinados con una buena dosis de humor, a los que Donner los tiene acostumbrados. Dice Danny Glover que "Dick es el elemento cohesivo y es su pasión dinámica por estas películas lo que las hace funcionar". Mel Gibson, por su parte, opina: "Richard comprende perfectamente el funcionamiento de estas cintas y su entusiasmo, su chispa y técnica es algo que traté de copiar cuando yo comencé a dirigir".

agosto 27, 1998

Grease - Vaselina

Publicada en 1998 con motivo de su 20 Aniversario

Summer lovin'

Veinte años después de su estreno en el cine, la cinta de Randal Kleiser sigue siendo popular. ¿A qué se debe su atractivo? Quizás es una de esas películas donde mágicamente todo encaja a la perfección.

Vaselina es la historia de Danny Zuko y Sandy Olsen, dos jóvenes que comparten un amor de verano y al terminar éste, se van por caminos diferentes. El destino los junta de nuevo al ser transferida Sandy a la escuela de Danny.

El es un típico adolescente: perteneciente a una pandilla de chicos, con una imagen de chico malo (y realmente no lo es) que mantener, en busca de una nena complaciente. Sandy por su parte, es tierna, inocente e ingenua. Viste de colores pasteles y contrasta con la pandilla de chicas de la preparatoria Rydell.

Sandy y Danny son una pareja atípica, y van a vivir momentos turbulentos y graciosos hasta alcanzar ese final feliz que todos esperan en las historias románticas.

Una película musical vive o muere por su banda sonora, y es aquí donde Vaselina se luce. Sus melodías son joviales y complementadas con una coreografía que contagia el ritmo alegre e inocente de los años 50, que ahora se ve y se escucha mejor que nunca ya que toda la cinta y la banda sonora han sido digitalizadas y remasterizadas. 

En Vaselina no hay un solo momento aburrido. Es una continua celebración a la cultura pop adolescente de los años 50. Pura energía. No es necesaria una excusa para volver a verla y saber si "Grease" todavía es la palabra.

agosto 15, 1998

The X-Files - Expedientes Secretos

Publicada en 1998.

Combatiendo el futuro


Conspiraciones, secretos al descubierto, secuestros, la presencia de seres de otro planeta, fenómenos paranormales, intrigas y asesinatos. Una de las series de ciencia ficción más exitosas de la década hace su transición a la gran pantalla.

Luego de pasar 5 años resolviendo casos sin aparente explicación llamados "Expedientes X", los agentes especiales del FBI Fox Mulder y Dana Scully regresan para investigar sucesos extraños. Esta vez se trata de un insólito líquido negro que el gobierno quiere utilizar como arma biológica. Mulder y Scully también descubren un complot armado por extraterrestres que quieren conquistar el planeta y colonizarlo. ¿Podrán ambos detener estas conspiraciones? La verdad está en la película...

La historia es intrigante, los efectos especiales lucen bien, sobre todo cuando se tiene en cuenta que la película fue hecha con un presupuesto moderadamente económico.

Lo mejor es que existen elementos de referencia suficientes como para satisfacer a los fanáticos de la serie, mientras que nada relativamente incomprensible pasa como para que aquellos espectadores que nunca la hayan visto se sientan alienados. Una opción para pasar un rato entretenido descifrando el mundo de lo sobrenatural...

agosto 11, 1998

The Mask of Zorro - La Máscara del Zorro

¡Mi primera reseña!
Publicada en 1998.
 
Una nueva espada marca la Z

A diferencia de las películas de acción que los estudios acostumbran a ofrecer en períodos vacacionales, la nueva producción de Tri-Star Pictures, La Máscara del Zorro, está ambientada en una época donde las bombas y las armas sofisticadas no existían.

Al igual que en cintas como Las Aventuras de Robin Hood (1938), son la espada, la habilidad para usarla y la astucia del héroe como jinete,  los elementos que se ofrecen al espectador con el objeto de disfrutar de una opción fresca en una historia sazonada con comedia, aventura y romance clásico. La Máscara del Zorro logra recordar a las grandes películas de aventura de antaño. 

En esta versión del famoso héroe enmascarado, han transcurrido 20 años desde que Zorro luchó contra la opresión española en Alta California. Don Rafael Montero, gobernante español, le arrebató a su esposa y a su hija, así como su libertad. Ahora, después de tanto tiempo, Zorro ha encontrado al sucesor perfecto para detener a Montero y frustrar sus planes de conquistar California. 

Estando en prisión, Don Diego de la Vega conoce a un bandido llamado Alejandro Murieta, a quien tratará de preparar para que tome su lugar en la lucha contra la injusticia. Aunque parece una elección errada, Murieta pronto prueba que posee tanto el corazón como la inteligencia para desempeñar su rol. Al igual que de la Vega, Alejandro está motivado por la venganza, ya que su hermano fue muerto en manos del Capitan Love, quien trabaja para Don Rafael Montero. Zorro vive de nuevo. 

Alejandro comienza su doble vida como caballero noble de día y enmascarado de noche en Alta California, asumiendo las responsabilidades asignadas por de la Vega; también se ve involucrado sentimentalmente con Elena, una joven que, aparte de sentir atracción por tres hombres diferentes, descubrirá muchas verdades referentes a su padre y al hombre enmascarado. 

Zorro desde siempre
 
Desde su creación en 1919, el personaje Zorro ha capturado las risas y el entretenimiento de muchas generaciones. Y todavía continua haciéndolo. 

A John McCulley, un reportero policíaco que escribía historias de ficción, se le debe la concepción de tan genuino y galante héroe. Zorro era una mezcla de Scarlet Pimpernel de Inglaterra y Robin Hood, con personajes tan reales como los bandidos Joaquín Murrieta, Salomón Simeón y José María Avila. 

Nacido de una novela llamada La Maldición del Capistrano, el espadachín enmascarado fue inmortalizado en la gran pantalla por vez primera con el actor Douglas Fairbanks Sr., y años después le tocó el turno a Tyrone Power. Pero su consagración definitiva como héroe le llegó en 1957, cuando los estudios de Walt Disney crearon la popular y existosa serie Zorro, protagonizada por Guy Williams, que aún es transmitida por la televisión. 

Luego de más de 40 años, ahora llegó un nuevo Zorro. A diferencia de las otras versiones, esta cinta no muestra a un héroe hijo de nobles. La relación expuesta es más en el estilo de maestro-aprendiz. Son personajes que luchan por el bien común y no por el suyo propio.

Según Martin Campbell, director del film, "el Zorro es el héroe perfecto. Desde un punto de vista moral, no sale a matar a todos los malos que pueda, sino que con astucia los desarma, los avergüenza y pone en ridículo".