noviembre 19, 1999

What Lies Beneath - Revelaciones

Publicada en 1999.

El fantasma de Hitchcock

Cuando escuchamos las palabras thriller o suspenso, inmediatamente salta un nombre a la cabeza: Alfred Hitchcock. Seguro, este genio cinematográfico falleció hace casi dos décadas, pero hoy en día su legado está más vivo que nunca.

Desde que el año pasado Sexto Sentido irrumpió triunfalmente en las salas de cine revigorizando el género, los estudios han fijado sus ojos -y su dinero- en tratar de reproducir otros "fenómenos" como la cinta de M. Night Shyamalan: El Proyecto de la Bruja Blair, Ecos Mortales, Almas Perdidas, Desafío al Tiempo. La lista es interminable.

Este año, Robert Zemeckis (Forrest Gump, Contacto) hace su intento con Revelaciones, protagonizada por Harrison Ford y Michelle Pfeiffer. Una historia de fantasmas y suspenso claramente derivada de la escuela Hitchcock, con cerebro, estilo y pavor.

Los Spencer -Claire y Norman- forman un matrimonio aparentemente exitoso y feliz. El es un prominente científico, ella una ex-cellista que acaba de dejar a su única hija en la universidad. El ocio lleva a la Sra. Spencer a espiar más de la cuenta a sus vecinos, y una serie de casualidades la llevan a pensar que un crimen se ha cometido en la casa contigua.

Extremadamente nerviosa e insegura, la paranoia de Claire aumenta, mientras una serie de eventos paranormales suceden en su perfecto hogar: puertas que se abren y cierran solas, equipos eléctricos que se encienden sin tocarlos, portarretratos que se caen, visiones espectrales en el baño y el lago. ¿Qué tiene que ver una cosa con la otra? Ese es uno de los secretos en esta cinta.

Una casa solitaria, secretos que pugnan por salir a flote, oscuridad, fantasmas y la sensación de no estar seguros de lo que nuestros ojos ven. Revelaciones tiene elementos suficientes para enganchar a un público ávido por sustos. El resultado es un thriller sobrenatural parte misterio psicológico, parte historia de fantasmas.

Robert Zemeckis toma ventaja de todos los artificios, trucos y clichés cinematográficos para presentar su historia. Incluso toma prestadas escenas de otras películas. Tan pronto los créditos desvanecen, nos paseamos por momentos de la Ventana Indiscreta, Sospecha, Vértigo y Psicosis. Las referencias cinematográficas abundan, desde el nombre del protagonista, la composición musical, el ritmo del filme, la casa lúgubre y solitaria en el tope de una colina.

Pfeiffer y Ford son dos estrellas talentosas y carismáticas. Pfeiffer sobre todo, es convincente como la esposa ama de casa y víctima de lo sobrenatural. Ford, que siempre lleva el peso de la historia en sus cintas, queda aquí relegado a un segundo plano como el esposo gruñón e irritable que no cree (o no desea creer) en las disparatadas alucinaciones de su esposa.

Cuando llegamos al desenlace, los secretos ocultos Revelaciones no son muy interesantes. Por el rato entretenido, demos gracias a Robert Zemeckis. Por el suspenso verdadero miedo, agradezcamos a Alfred Hitchcock.

octubre 26, 1999

Ecos Mortales

Publicada en 1999.


Misión supernatural


En Hollywood, la norma es siempre sacar dos o más cintas que toquen el mismo tema. Paso con Armageddon e Impacto Profundo, con Hormiguitaz y Bichos, con Volcano y El Pico de Dante. Ahora, la similaridad está entre Sexto Sentido y Ecos Mortales, la más reciente producción de David Koepp.

De una novela de Richard Matheson, el autor de Somewhere in Time, The Incredible Shrinking Man y Más Allá de los Sueños, surge una historia espectral llena de escepticismo, fé y poderes ocultos.

Kevin Bacon es Tom Witsky, un trabajador común y corriente, esposo y padre, que se transtorna al descubrir que su hijo aparentemente habla con "fantasmas". Tom simplemente asume que todo está en la imaginación del pequeño.

En una fiesta Tom acepta ser hipnotizado por su cuñada como parte de un juego y resulta que Tom es altamente susceptible e inconscientemente libera habilidades telekinéticas que estaban reprimidas en algún rincón de su psique.

Tom pronto se verá aturdido con visiones de un ser que busca ayuda y no lo dejará en paz hasta que un criminal sea atrapado.

Más que una historia de fantasmas, Ecos Mortales es una cinta que documenta la trasformación de un hombre inicialmente desconfiado en un creyente apasionado. Bacon entrega una actuación impecable como Tom, un hombre decidido a cumplir una misión, energético y agresivo, pero también vulnerable y dispuesto en proteger a sus seres amados y su hogar, incluso si tiene que desbaratarlo ladrillo a ladrillo.

"Nunca quise ser famoso, pero nunca esperé ser tan ordinario", le dice Tom a su esposa. Supongo que pocos caen en cuenta de que en realidad cada quien en su propia manera es extraordinario.

octubre 19, 1999

Fight Club - El Club de la Pelea

Publicada en 1999.


Un verdadero K.O.


Muchos pensarán sólo por haber visto el avance del Club de la Pelea, que es una historia protagonizada por Brad Pitt y Edward Norton de machos matándose a golpes para probar que están vivos. Pero la verdad, eso sólo es parte del paquete.

El Club de la Pelea es una saga oscura y nihilista sobre la vida de los hombres comunes y corrientes a punto de iniciar el siglo XXI. Un gancho derecho directo a la conciencia. Un llamado a despertar a la realidad.

Norton sirve como narrador no identificado de la historia: él es un tipo cualquiera, con un trabajo insignificante, inmerso en el aburrimiento, hambriento de estatus, hasta que conoce a Tyler Durhem, un tipo que vive para asombrar a otros.

Todo en Durhem es inusual: su vestimenta, su manera descarada de decir las cosas, su afición por buscar peleas. No tarda mucho en arrastrar al narrador a uno de sus pugilatos y fundar El Club de la Pelea, donde el requisito para pertenecer es no hablar sobre El Club de la Pelea.

Cuando ya pelear no es suficiente, no sacia el hambre de autodestrucción, el club comienza a prepararse para una meta mayor: aniquilar a la humanidad. Y entonces las relaciones de Tyler y nuestro narrador se agrietan.

Edward Norton y Brad Pitt desaparecen tras sus personajes. Pitt es convincente como el carismático Tyler; Norton, siempre magnífico, halla la forma de exudar su confusión y cólera a pesar de lo templado que resulta su personaje. La dirección de David Fincher es una danza de golpes perfectamente combinados hasta darnos el Knock Out final.

Al tiempo que Pitt y Norton tratan de ver cuál le rompe primero la nariz al otro, El Club de la Pelea deja salir a la superficie su crítica punzo penetrante a la codicia, al derroche de la sociedad consumista, a las actitudes ególatras y la naturaleza violenta del hombre.

octubre 05, 1999

Anna y El Rey

Publicada en 1999.
 
Amoríos reales

Viuda reciente y con un niño, Anna Leonowens parte desde Inglaterra hacia Siam luego de aceptar la posición de institutriz de los hijos del Rey Mongkut. El contraste entre ambas culturas crea un conflicto mientras esta mujer fuerte e inteligente se rehusa a abandonar sus principios al tratar de aceptar la visión del Rey. 

La influencia de Anna en el Rey se hace sentir con el paso del tiempo, así como el impacto del Rey crece en ella, hasta que surge entre ellos un cierto tipo de amor. Las relaciones de Anna y la corte también toman vida propia, aún en contra de la creciente amenaza militar sobre Siam. Una vez traicionado, el Rey tratará de salvar a su familia mientras sus enemigos tratan de arrebatarle el trono: Anna será pieza crucial en el destino del Rey, alterando el curso de la historia.

Así como la vida es una mezcla de realidad y fantasía, Anna y el Rey es una combinación de ambas. "Los caminos son para viajes, no para destinos" reza una de sus líneas, y esta ambiciosa producción narrada en estilo épico porfundiza en sus temas más que la versión clásica de Yul Brynner y Deborah Kerr. La historia nos envuelve en la cultura, política, en la guerra y el amor.

Un deleite visual nos transporta a un mundo donde los hábitos son tan exóticos como sus tradiciones. La atmósfera está recreada perfectamente, desde los mercados ruidosos y congestionados, los elefantes en caravana levantando polvo, los monos jugando en los árboles del palacio.

La cinematografía refleja una riqueza que es -si es posible- mejorada por el espléndido vestuario y una composición musical que evoca grandiosidad.

Lo mejor es la selección de Chow Yun-Fat como el Rey, cuyo carisma hipnotiza a la audiencia. Su encanto es difícil de describir. Su química con Jodie Foster (cuya actuación resulta un tanto artificial) es innegable. Ya que ningún romance es posible, los protagonistas disfrutan a través de la inteligencia y fortaleza del otro.

Pero, siempre hay un pero. Un tanto larga, Anna y el Rey tiene algunos fallos en su guión, el cual carece de la estructura dinámica que propulsaría su historia y engancharía más al público. Pero no falla en los diálogos, ricos y llenos de citas inolvidables. "Si el amor fuera una opción, quién escogería tan exquisito dolor". Soberbio.

septiembre 17, 1999

Waking Ned Divine - El Divino Ned

Publicada en 1999.


Ganadores en el juego de la vida


En la tradición de comedias ligeras como "The Full Monty", llega una simpática historia de loterías, ganadores y perdedores en un pueblito pintoresco de Irlanda.

La pequeña villa de Tully More -población 52 personas- se oculta dentro de las vastas colinas irlandesas; y es la lotería del estado la que saca del anonimato a este poblado, cuando uno de sus miembros compra el ticket ganador.

Dos viejos amigos, Jackie y Michael, complices en toda suerte de aventuras, descubren la buena noticia. Ahora quieren averiguar quién es ellganador para convencerlo de compartir parte del premio con ellos.

En búsqueda de pistas y pruebas para desenmascarar a la millonaria víctima, se ven envueltos en disparatados enredos. Hasta que por descarte, dan con el ganador, que ha permanecido misteriosamente callado y anónimo: Ned Devine.

No es de extrañarse, pues el dulce viejito Ned se murió de emoción cuando se enteró de la noticia. La lotería ciertamente cambió su vida. 

Y antes que se enfrie su cadáver, un complot se arma en Tully More para reclamar ante las autoridades el premio de Ned.

Alegre y picaresca, esta comedia refrescante es una celebracion de la amistad. El Divino Ned es deliciosa, excéntrica; con personajes algo caricaturescos que no buscan dañar a nadie.

Si busca unas cuantas risas, El Divino Ned las proveerá casi sin esfuerzo; esta historia de loterias los dejará a todos sosteniendo un ticket ganador.

septiembre 16, 1999

Eyes Wide Shut - Ojos Bien Cerrados

Publicada en 1999.

Odisea Final

Atención público, abran los ojos: este no es un filme sobre sexo ardiente donde tendrán la oportunidad de ver a dos súper celebridades en paños menores. Este es un filme sobre los celos, donde el sexo es el instrumento.

Ojos Bien Cerrados es la obra de un artista único. Uno de los que no necesitaba  apoyarse en fórmulas y siempre estaba dispuesto a correr riesgos, retando al público a pensar. Un cineasta en busca de la perfección. Stanley Kubrick.

Esta es la historia de las dudas que asaltan nuestra mente cuando descubrimos que nuestra pareja no es tan confiable como habíamos imaginado. De cómo los peores miedos nos agobian hasta hacernos perder la razón.

El Dr. Bill Hartford y su esposa Alice son invitados a una fiesta de fin de año. Ciertos eventos y personas en la reunión disparan acciones múltiples en la pareja: Alice revelará a Bill una fantasía sexual que empujará a éste último a un viaje introspectivo a territorios desconocidos, donde la semilla de la duda plantada por Alice desata una tormenta en la imaginación de su esposo.

Y la mente es una máquina poderosa. Es capaz de engañarnos, seducirnos, hacernos ver fantasmas donde no los hay.

Ojos Bien Cerrados es una historia controversial, perturbadora y provocativa. Pero hay más. Detrás de todo su simbolismo, los colores saturados, la intimidad, la música, está la exploración de un director sobre la realidad, los sueños y la línea turbia que separa a ambos, haciéndonos dudar cuál es cada uno. La superficialidad que abunda en la vida está al desnudo. Pero ¿qué hay de nuestras fantasías? ¿Son sólo sueños, o éstas nos controlan?

Stanley Kubrick nunca hizo de sus filmes piezas fáciles de ver o interpretar y Ojos Bien Cerrados no es la excepción. No será el más recordado. Tristemente, es el último de una carrera extraordinaria.

septiembre 13, 1999

Austin Powers: The Spy Who Shagged Me - El Espía Seductor

Publicada en 1999.


Mojo de sobra



El hombre internacional del misterio regresó. Austin Powers está de vuelta con una secuela titulada El Espía Seductor.

En medio de su luna de miel, nuestro espía recibe una sorpresa explosiva que lo regresa a la soltería. Decepcionado pero no derrotado, Austin se entera que su némesis, el Dr. Evil, ha regresado con un nuevo plan para aniquilarlo y ser el amo supremo del universo.

El Dr. Evil ha desarrollado una máquina del tiempo que lo lleva a 1969, cuando Austin estaba congelado criogénicamente, y ahí le roba su "mojo".

En 1999 Austin se percata que ha perdido su encanto y con la ayuda de la Inteligencia Británica, viaja al pasado con el objetivo de recuperar su "mojo". En la Inglaterra psicodélica de los 60, una hermosa agente llamada Felicity Shagwell lo ayudará a combatir a sus enemigos mientras trata de ganarse el corazón del espía seductor. 

Eso es todo en cuanto a historia, si es que hay alguna. Austin Powers es  absurda, retahila de chistes crueles, parodias de otras películas, sketches sexuales de doble y triple sentido, burlas descaradas a ciertos íconos de la cultura. En un momento de la cinta vemos a Austin decirnos que no tratemos de entender qué diablos pasa. Simplemente sigámosle la corriente.

Quizás es un disparate, pero las carcajadas en la sala de cine eran apoteósicas. Risas a todo pulmón, así como rugidos de repulsión se oyeron durante la proyección. Quien haya disfrutado la primera vez de Austin Powers, debe verlo en esta cinta. Es más grotesco, más audaz.

El secreto es Mike Myers, quien nos puede hacer reir con una simple ceja alzada, una risa juguetona o su dedo meñique posado al lado de su boca. El gesto perfecto en el momento perfecto. Es un comediante con espíritu contagioso, su coqueteo con la pantalla nos invita a relajarnos, reirnos a carcajadas sin contenernos, disfrutar el ser tontos sin que nos importe. A él, le sobra el mojo.

septiembre 10, 1999

Angela's Ashes - Las Cenizas de Angela

Publicada en 1999.

Retrato de esperanza


Las Cenizas de Angela se inicia con las propias palabras de su autor, Frank McCourt: "Cuando recuerdo mi niñez, me pregunto cómo mis hermanos y yo logramos sobrevivir. Por supuesto, fue una infancia miserable: una infancia feliz poco vale contarse. Peor que una ordinaria infacia miserable, es la ordinaria y miserable infacia irlandesa, y peor aun es una miserable infancia católica-irlandesa".

La memoria que se ha convertido en un gran éxito literario llega a la pantalla de la mano del director Alan Parker, con la mayoría de su pobreza y trágicas circunstancias familiares intactas. La resistencia de McCourt y voluntad a sobrevellar semejante infancia, y luego elevarse por encima de la misma, se mantiene clara en la poética narrativa de la cinta. 

Frank McCourt relata como su empobrecida familia se muda desde Nueva York a Irlanda, con la esperanza de encontrar una mejor vida. La familia apenas puede mantenerse. Crecen en Limerick, con un padre alcohólico y una madre  que hace lo posible por mantenerlos unidos.

Las Cenizas de Angela es una cinta conmovedora sobre la pobreza y el mundo visto a través de los ojos de un niño. Una historia sobre amores y dolores, sobre crecer y tener sueños.

La unión de la música, cinematografía y escenografía nos permiten viajar en el tiempo,a la Irlanda de los años 30 y 40. Aún con un guión sobrecagrado que opaca el impacto emocional de la cinta, Las Cenizas de Angela es una historia de sobrevivencia que bien vale la pena ver.

agosto 29, 1999

The Blair Witch Project - El Proyecto de la Bruja Blair

Publicada en 1999.

Destino fatal

El Proyecto de la Bruja Blair es una especie de documental sobre tres estudiantes de cine que entran al bosque de Burkittsville en Maryland, Estados Unidos, para encontrar a la legendaria Bruja Blair. Encabezados por Heather, quien dirige el documental y está obsesionada con filmar cada segundo del viaje, la siguen Josh y Mike. Un año más tarde, nos informa la escena de apertura, el material filmado es encontrado.

Escrita y dirigida por dos jóvenes cineastas de la Universidad de Miami, esta cinta usa una premisa ya empleada en el cine, pero le da un enfoque totalmente novedoso, pues lo centra únicamente en las grabaciones de la infortunada expedición. En consecuencia, obtenemos 90 minutos de ruidos desconocidos y respiraciones agitadas.

La película muestra la desintegración psicológica de sus tres personajes mientras enfrentan el terror a lo desconocido. No hay tramas románticas, no hay héroes, simplemente seres humanos muriéndose de miedo al percatarse que están perdidos y que algo los vigila en el bosque.

Aquellos que busquen una narrativa convencional, un sentido de resolución al final de la historia habrán perdido su dinero, pues carecerán de la visión necesaria para comprender el verdadero trasfondo que esconde El Proyecto de la Bruja Blair.

Porque sus efectos están en el subconsciente, donde reside  nuestro miedo a lo desconocido. Al observar este video de tres chicos que se van de viaje pensando que vivirán una aventura divertida, nuestra respuesta a su aventura dependerá del grado en que aceptemos verlos lidiar con una pérdida de control progresiva ante lo que no puede ser comprendido.

agosto 15, 1999

Notting Hill

Publicada en 1999.

Un lugar para visitar


En Inglaterra existe un vecindario donde al parecer los cuentos de hadas todavía se hacen realidad: donde la actriz más famosa de Hollywood, una diosa cuya cara aparece en todas las revistas, periódicos y pantallas de T.V., se enamorará irracionalmente del dueño de una librería semi-quebrada, un simple mortal inglés que la verá entrar a su local y a su vida como una especie de sueño mágico, demasiado bueno para ser verdad. Un lugar llamado Notting Hill.

Julia Roberts y Hugh Grant -como Anna Scott y William Thacker- se reúnen por vez primera en esta cinta donde la sombra de la fama y la celebridad amenazan la posibilidad de una relación feliz entre dos seres radicalmente diferentes.

El desfile acosador de los periodistas no ayudará a la pareja. El comportamiento afectado de los amigos de William tampoco, sin contar a su excéntrico compañero de habitación y la aparición repentina en escena del desagradable novio de Anna.

El peculiar humor inglés es explotado con éxito en Notting Hill, a través de escenás  donde los amigos se reúnen para compartir buenos y malos momentos. La ironía, los contrastes de los personajes, las expectativas y la dura realidad son confrontados de forma directa.

Hugh Grant acierta con la interpretación de un hombre común, agradable y encantador en su única manera; la misma que lo hizo famoso en "Cuatro Bodas y un Funeral".

Julia Roberts da vida a un personaje que se le asemeja mucho, al menos en lo que respecta a su estatus como celebridad. Sabe plasmar en pantalla ese "carisma" que hace a la gente congelarse de placer en su presencia, a la actriz ególatra, temperamental y hastiada del acoso periodístico, a la vez que nos muestra "una chica que sólo quiere ser amada".

Divertida y mágica, con su elegante nostalgia, Notting Hill es un lugar que vale la pena visitar. No dejen de ir a este vecindario.

The Sixth Sense - Sexto Sentido

Publicada en 1999
 
Vida y muerte, pecado y redención
 

El Dr. Malcolm Crowe ha logrado el reconocimiento en el campo de la psicología infantil, aunque cierta culpa habita en su ser. El secreto de un niño de 8 años representa para Crowe un reto. Una vez que el joven Cole le revela  que ve personas muertas mientras está despierto, el Dr. Crowe piensa que la redención está en camino, pero se sorprenderá cuando descubra la relación entre el inusual don del niño y su propia expiación.

El Sexto Sentido no lleva a un viaje por las penumbras de la mente. Bien sea como historia de fantasmas o como un íntimo drama humano, nos llega en todos los niveles, racionales y emocionales.

La sugerencia de un mundo dentro del nuestro, uno que nuestra mente prefiere ignorar, es atemorizante. La presentación del filme como una serie de tragedias y agonías humanas es muy perturbadora.

En Sexto Sentido, vemos a un Bruce Willis que transmite una sensación ineludible de soledad. Pausado, sumiso, es efectivo al delinear la esencia de su personaje, la humanidad y el don de la comunicación que lo han hecho un científico reconocido y querido.

Y aunque sin ninguna duda la interpretación de Willis está entre sus mejores, las mejores palabras deben quedar para Haley Joel Osment, quien interpreta a Cole Sear. He aquí a un actor quien como su personaje, es maduro más allá de sus años de vida.

Para el final de la historia, Sexto Sentido causa un profundo impacto, uno que nos urge a revisitar el filme en nuestras mentes, apreciar el trabajo de un grupo talentosísimo de actores y el de un maravilloso guionista y director que promete mucho.

agosto 02, 1999

Runaway Bride - Novia Fugitiva

Publicada en 1999


Para salir corriendo
 

Novia Fugitiva es exactamente lo que ustedes piensan que es. Una comedia romántica basada en las convenciones clásicas del género, que cuenta con la presencia de Julia Roberts y Richard Gere, dos favoritos del público desde hace más de diez años, cuando la historia de una cenicienta moderna llamada "Mujer Bonita" incendió las pantallas de cine y se convirtió en uno de los éxitos taquilleros más grandes de la historia del cine.

Ahora tenemos a Gere como el columnista newyorkino Ike Graham, quien es despedido por su editora luego de escribir una historia difamatoria sobre una chica llamada Maggie Carpenter quien al parecer, huye de sus bodas (ya lleva 3) tan pronto ve a los novios esperándola en el altar.

Desempleado y con la oportunidad de reivindicarse profesionalmente, Ike se marcha al pueblo natal de Maggie -que está preparando su cuarta boda- para comprobar qué tan cierta es la leyenda de la novia fugitiva y reescribir su historia. En un principio su relación es peor que la de perros y gatos, pero poco tiempo pasa antes de que las cosas cambien.

Es así cómo son plantadas las semillas para la típica comedia adversa. Dos personas que no se soportan descubren al cabo de un tiempo que no pueden vivir una sin la otra.

Ligera y frívola, Novia Fugitiva es un cuento de hadas como lo fueron en su momento Mujer Bonita, La Boda de Mi Mejor Amigo y Notting Hill, cuyo éxito se apoya en la química de sus actores.

Novia Fugitiva está lejos de ser perfecta. De hecho es todo lo contrario: una cinta sumamente comercial y prefabricada por cualquier ángulo que se vea, desde su pueblito de ensueño, pasando por la banda sonora y su improbable historia, que ya conocemos; pero la supimos siempre, incluso antes de entrar a la sala de cine.

julio 24, 1999

Entrapment - La Emboscada

Publicada en 1999.
Doble emboscada

La Emboscada parece ser el título indicado para este largometraje, no sólo por la historia que promete entregar, sino porque el espectador sentirá que es víctima de una estratagema armada por sus productores.

Lamentablemente, no hay nada en esta cinta que tenga sentido: no lo tiene su historia, mucho menos los personajes. Sean Connery es Mac, un veterano ladrón que al parecer nunca ha sido arrestado. Catherine Zeta-Jones es Virginia "Gin" Baker, la investigadora de una compañía de seguros que quiere atraparlo y que incluso se le uniría para lograrlo. De robo en robo ambos se vigilarán, sospechando cuándo será el momento de la traición.

No hay ninguna razón para que Mac y Gin tengan que robar. No hay naciones en peligro al borde de una guerra, ningún ideal al estilo Robin Hood. La omisión de un motivo de peso es una falla inmensa del guión. ¿Cómo es posible en una cinta donde los protagonistas son ladrones que los mismos no tengan un motivo para llevar a cabo sus fechorías?

El director Jon Amiel, cuyos trabajos previos incluyen Copycat y Sommersby, aunque le da al filme un estilo y sofisticación aceptables -ayudado por la presencia de Connery y Zeta-Jones-, no se preocupa lo suficiente en desarrollar la relacion entre sus protagonistas. Tan a la deriva son dejados que para el final de la película no nos interesa saber cuál será su destino. Lo único importante será huir de la sala de cine rápidamente antes de que se mueran todas nuestras neuronas.

julio 08, 1999

Tarzan

Publicada en 1999.
 
Tarzán es el rey del cine


El hombre mono regresó de nuevo a Hollywood, esta vez de la mano de los estudios Disney. Y que retorno tan triunfal.

El largometraje animado Tarzán es una aventura que entrega a su audiencia 88 minutos de entretenimiento, humor y amor. Historia, personajes, música y animación forman un complejo amasijo de virtudes que han hecho de esta cinta una de las mejores producidas por la casa del ratón Mickey.

Basado en el personaje creado por Edgar Rice Burroghs en 1912, Tarzán es la historia de un bebé que pierde a sus padres en la jungla africana y posteriormente pasa a ser criado por una familia de gorilas. Tarzán crece feliz en su vida primitiva hasta que se produce su primer encuentro con un grupo de humanos.

La confusión se apoderará del joven Tarzán cuando esos dos mundos a los que pertenece choquen. Por un lado, su corazón le dice que debe quedarse con la única familia que ha conocido; por otro, su conciencia humana le grita que debe regresar a la civilización que una vez fue parte de su vida.

Los lazos familiares, la angustia por pertenecer a una familia y la integridad de los seres humanos, sean gorilas, hombres o elefantes, son temas con los que lidia Tarzán. Balanceadamente, el humor ingenuo y las aventuras conviven con los temas serios.

Además de compasión, protección e ideas sobre la sociedad, Tarzán también nos muestra avaricia y traición, defectos y acciones que únicamente los humanos somos capaces de cometer.

A mediados de los años treinta, Edgar Rice Burroghs sugirió que la animación podría ser la mejor manera de recrear al hombre mono que se deslizaba por los árboles de la selva africana.

Sesenta años han pasado, y con sólo ver el trailer de Tarzán, sabemos que el señor Rice estaba en lo cierto.

junio 30, 1999

El Piso 13 - The Thirteenth Floor

Publicada en 1999.

Hipótesis de la realidad

En los últimos tiempos, la pantalla cinematográfica ha sido visitada por un grupo de cintas que han sido elaboradas sobre una noción controversial: ¿Qué es la realidad? Los títulos incluyen Ciudad en Tinieblas (Dark City), que presenta la idea de memorias implantadas, El Show de Truman (The Truman Show), con un estudio de T.V. disfrazado como el mundo real y reciéntemente Matrix (The Matrix), donde nuestro mundo es sólo una ilusión virtual sembrada en la mente para evitar que nos enteremos de una verdad cruel: que somos baterías para computadoras.

Ahora podemos agregar a la lista El Piso Trece (The Thirteenth Floor), un suspenso matizado con una capa de ciencia-ficción donde los protagonistas son programadores de software que han creado un mundo virtual -una recreación de la ciudad de Los Angeles en el año 1937-, llena de "unidades" o simulaciones computarizadas de seres humanos que resultan ser más humanos de lo que sus creadores jamás imaginaron.

El cerebro detrás del universo simulado es Hannon Fuller. Cuando éste es brutalmente asesinado, toda la evidencia apunta a Douglas Hall, su amigo y colega.

Para aclarar su participación en el crimen, Douglas se ve obligado a conectarse al mundo virtual y rastrear ahí un mensaje que Fuller le dejó, y que es la clave que puede explicar su inesperada muerte. Al final, Douglas encontrará la respuesta a todos los misteriosos acontecimientos, pero mientras los mismos se revelan, el mayor descubrimiento que hará tendrá que ver con su propia realidad.

El Piso Trece guarda bajo sus cimientos unas cuantas sorpresas y es cándida hasta ciertos puntos, pero lo suficientemente meritoria como para permitirnos un momento de reflexión cuando finaliza la cinta, y tener un instante de duda sobre nuestro propio mundo. ¿Es esta en verdad la realidad? ¿Quién lo asegura?

Si Descartes estuviera vivo, ciertamente él no tendría duda alguna. El epígrafe que usa El Piso Trece en su secuencia de apertura es la famosa cita que el filósofo utilizó para justificar su propia existencia: "Pienso, luego existo". Muchos de los personajes del fatídico piso 13 sienten, juzgan, consideran. Eso, por lo tanto, quiere decir, de acuerdo a las palabras de Descartes que ¿son?

junio 22, 1999

The Mummy - La Momia

Publicada en 1999

Escapismo en Egipto

Desde que sus vendas comenzaron a caerse en 1932 cuando la primera cinta de La Momia se estrenó con Boris Karloff, esta criatura ha vagado en constante resurrección por la historia del cine.

Esta nueva versión estelarizada por Brendan Fraser, John Hannah y Rachel Weisz nos devuelve a la momia en una cinta cuya meta principal es divertirnos con sus chistes tontos, su acción explosiva y sus efectos especiales.

Rick O'Connell es una especie de pirata aventurero, petulante y listo. Tipo arriesgado con un toque irreverente que vive al borde del peligro, salvado de la guillotina por una bibliotecaria, Rick se embarca con la joven y su hermano en la búsqueda de un famoso "Libro de los Muertos", presuntamente enterrado en las ruinas de Hamunaptra. Así el ambicioso trío y otros buscadores de tesoros se lanzan al desierto sin la menor idea del terror que despertarán.

Enterrado en las ruinas de la ciudad está Imhotep, quien hace más de 3000 años fue momificado vivo por relacionarse con la esposa del faraón. Una maldición egipcia indicaba que si Imhotep volvía de la muerte sería poderoso, consumiría humanos como un vampiro y desataría una ola de plagas en Egipto.

Oh-oh. Por supuesto, siempre existe un descuidado incrédulo que lee la maldición en voz alta, la reversa y ¡kaboom!, despierta a Imhotep.

Muchos podrán criticar la simpleza que caracteriza a La Momia. Ciertamente algunos de sus momentos son bufonescos. Pero obviamente la cinta fue hecha para complacer una mayoría. Escarabajos que comen humanos, plagas bíblicas, peleas de espadachines, tormentas de arena que toman rasgos humanos.

El reparto mantiene la energía del filme y su onda simpática. A ratos la cinta nos recuerda las aventuras del siempre superior Indiana Jones: está el héroe, la chica inteligente y bonita, el compinche cobarde que se las arregla para sobrevivir y unos cuantos incrédulos que son aniquilados por el villano. Lo que más me recordó de Indiana es la tónica que lleva la historia: "acabar con el mal, decir un par de frases chistosas antes de matar a alguien y salvar el mundo". Diversión. Se ve que llegaron las vacaciones.

junio 12, 1999

Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma

Publicada en 1999.

El Regreso de la Fuerza

Para muchos, el verano de 1977 es inolvidable. Sentados en la oscuridad, millones de personas -niños, adolescentes y adultos- comían sus cotufas mientras contemplaban con asombro y delicia, ojos y bocas abiertas, batallas de naves espaciales con sonidos nunca antes oídos, héroes en batas blancas y un malévolo villano con un casco negro.

Era ese el verano de Star Wars, una cinta que dejó en todos los que la vimos una impresión que aun con el paso del tiempo no se ha desvanecido. Y ahora una nueva saga se iniciará cuando el 30 de junio se estrene el primer capítulo de la que será la segunda trilogía de Star Wars. Su nombre: Star Wars, Episodio I: La Amenaza Fantasma.

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana...

Qui-Gon Jinn, sabio y experimentado maestro Jedi, es enviado por la República interplanetaria a resolver una disputa comercial entre la Federación y el pacífico planeta Naboo. Junto a Jinn viaja su aprendiz, el joven Obi-Wan Kenobi.

La disputa comercial se revela como una excusa para llevar a cabo una invasión. Las fuerzas malignas de la tambaleante República están manipulando el poder sobre la Reina Amidala. Mientras Qui-Gon Jinn y Obi-Wan tratan de salvar a la Reina, se ocultan en el desértico planeta Tatooine donde conocen a un niño esclavo, Anakin Skywalker.

Jinn reconoce en Anakin talentos únicos y sospecha que puede ser "el elegido". Las profecías señalan que un gran caballero Jedi emergerá y será él quien traiga balance y equilibrio al universo.

La Amenaza Fantasma nos lleva al pasado -algo poco usual ya que conocemos cómo finalizará esta historia-. La sombra de los episodios cuatro, cinco y seis es claramente obvia sobre el primero, no sólo porque estas cintas conforman un legado cuya vigencia no se ha perdido hasta la fecha, sino porque George Lucas, su creador, ha elaborado un guión que contiene elementos tomados de la trilogía original.

Caras conocidas, como R2-D2, C-3PO, Jabba y el maestro Jedi Yoda vuelven a la pantalla en breves cameos. Además, Lucas utiliza íconos hollywoodenses para alimentar su más reciente aventura: la carrera en Tatooine, evoca con claridad la carrera de carrozas en Ben-Hur.

En comparación a las 3 producciones previas, esta cinta fue obviamente hecha para complacer en su mayoría al público infantil.

Episodio I es una aventura de fantasía mágica que satisface (o decepciona) plenamente la expectativa generada durante tantos meses. Es esa misma expectativa su fortaleza y debilidad al mismo tiempo.

Disfrutar de La Amenaza Fantasma dependerá de nuestra conexión con el niño que llevamos dentro. Una vez en la sala oscura, cuando la pantalla proyecte esa vieja y famosa frase en letras azules "Hace mucho tiempo, en una galaxia lejana..." permitan sentirse nostálgicos. La magia sucederá de nuevo.

mayo 25, 1999

The Matrix

Publicada en 1999.


Realidad virtual

Ilusión versus realidad. Fe versus engaño. Control versus libertad. ¿Qué es real y qué no lo es? ¿Somos esclavos de un sistema? ¿Somos libres de elegir nuestro camino o está predeterminado? Todas estas preguntas y muchas más son formuladas en la nueva cinta de Warner Bros, The Matrix.

Pero eso no quiere decir que sean respondidas.

Y ¿qué es Matrix? Thomas Anderson está a punto de descubrirlo. De día es un programador de sistemas y como cualquier humano más, se despierta, va al trabajo, come y hasta paga sus impuestos. De noche es conocido bajo el alias Neo, un famoso hacker que navega el inframundo buscando la respuesta a la pregunta que no lo deja dormir,la pregunta que lo hace cuestionar su mundo, su existencia y su percepción de que algo no está bien.

¿Qué es Matrix?

Como Alicia en el País de las Maravillas, Neo es guiado por Trinity (Carrie-Anne Moss) hasta Morpheus (Lawrence Fishburne), quien no ofrece una respuesta, sólo "la verdad". Y la verdad es que Matrix es una reconstrucción virtual del mundo creada por una inteligencia artificial para mantener a los seres humanos adormecidos mientras son explotados como baterías en campos de cultivo.

¿Suena complicado? Pues lo es. La selección de Neo como nuevo miembro del grupo de Morpheus se basa en la profecía de que el es "El Elegido", el hombre que será capaz de liberar a la humanidad de su esclavitud mental frente a las máquinas. Una tarea que Neo no acepta, pues sería contradecir su creencia de que el destino no existe y que él "está en control de su vida".

Creada por los hermanos Larry y Andy Wachowski, The Matrix es un compilado colosal de filosofías, religiones, trabajos de literatura y hasta animé japonés. El cristianismo, el agnosticismo, el budismo, el nihilismo, el existencialismo, Platón, Descartes, Kant y muchos otros son referenciados en el largometraje mientras vivimos junto a Neo su lento despertar al mundo real y su camino hacia la iluminación y aceptación del rol que definirá el futuro de los seres humanos.

Ambiciosa, inteligente y sumamente entretenida, The Matrix nos lleva a un mundo oscuro y post-apocalíptico sin paralelo. Fotografiado exquisitamente por Bill Pope, contiene además innovadoras secuencias de acción y efectos especiales como no habíamos visto jamás. Es difícil poner en papel todo lo que esta cinta tiene que ofrecer. Como reza Morpheus en una de sus líneas: "A nadie se le puede explicar qué es Matrix, tienes que verlo por tí mismo".

Una experiencia que no puede ser comparada con ninguna otra, Matrix los mantendrá al borde del asiento, los llenará de dudas y los hará cuestionar su propia realidad para cuando llegue el momento de abandonar la sala de cine. Es una de las mejores películas de ciencia ficción jamás producidas y una de las mejores de 1999.

mayo 24, 1999

Double Jeopardy- Doble Riesgo

Publicada en 1999.

Tras la misma pista


Libby Parsons, la heroina de Doble Riesgo, despierta en un bote llena de sangre. Más adelante, casi se ahoga en un vehículo que cae desde un ferry. En otro momento, es  enterrada viva. Y eso no es nada: si bien es inocente, fue declarada culpable del asesinato de su esposo y cumplió 6 años de condena en prisión.

Para empeorar las cosas, estando encerrada se entera que su querido esposo está vivo y que se fugó con su mejor amiga y su hijo. Cuando por fin sale bajo libertad condicional, obviamente esta mujer lo único que desea es justicia y venganza, aunque no necesariamente en ese orden.

Y es que Libby aprende que en la ley, existe un principio legal llamado Doble Riesgo, que establece que no se puede juzgar a una persona 2 veces por el mismo crimen. Así que ella no lo piensa mucho y huye en busca de su maridito y su hijo. Su único obstáculo, el oficial Travis Lehman (Tommy Lee Jones), quien se irá detrás de su pista para detenerla, a pesar de su inocencia.

¿Suena familiar? Por supuesto que sí. ¿Será quizás por aquella película de 1993, El Fugitivo, o su continuación, U.S. Marshalls, en 1997? ¿Será la presencia de Tommy Lee Jones, actuando una y otra vez el mismo personaje, rastreando la misma pista de siempre?
Igual escenario, trama similar, el mismo actor. Una y otra vez.

Doble Riesgo padece de muchas imperfecciones, desde su dirección, su trama reiterativa, hasta la presencia ya desgastada de Jones, quien debería tomarse unas vacaciones de su mismo personaje.

Y no olvidemos el principal detalle; cualquier vestigio de asombro y elemento sorpresa fueron aniquilados en el trailer, donde se vende prácticamente toda la cinta: el esposo que no murió, la determinación de Libby de vengarse, la persecusión del oficial Lehman contra Libby, aun cuando es inocente, etcétera, etcétera. 

El desenlace de este desastre es obvio.

mayo 11, 1999

Magnolia

Publicada en 1999.
 
Pétalos sedientos de cariño

 

El amor no siempre es fácil de encontrar. Para llegar a él, de vez en cuando es necesario perdonar; en ocasiones hay que tragarse el orgullo; a veces sólo se requiere reconocerlo; otras, es necesario aprender a amarte antes de poder amar a los demás. A veces, sólo basta con decir la verdad.

Pero existen momentos extremos, como presenciar un acto decabellado de la naturaleza, para finalmente recibir un poco de amor. El director y guionista P.T. Anderson explora estas posibilidades en su más reciente obra titulada Magnolia.

Magnolia es...larga y grandilocuente. Es un mosaico que examina las historias compartidas de cuatro familias que habitan en el valle de San Fernando. Maridos y esposas, amantes y amigos, padres e hijos, almas gemelas de varias generaciones que orbitarán unos alrededor de otros durante 24 horas de reflexiones, revelaciones y recriminaciones.

Sus personajes incluyen a dos ancianos, ambos muriendo de cáncer, ambos tratando de reconciliarse con sus hijos, una drogadicta solitaria y un gurú motivacional ególatra. Están también las alienadas esposas de los desahuciados, tratando de lidiar con los problemas que enfrentan sus maridos. Otra dupla padre-hijo la conforman un niño genio en busca de tolerancia y su padre explotador; también está el adulto perdido, aislado del mundo y miserable. Finalmente, encontramos 2 personajes que permanentemente se proponen establecer algún tipo de contacto humano: un policía amable y torpe que se enamora a primera vista y un enfermero compasivo que busca complacer el último deseo de su paciente.

Anderson continúa siendo un cineasta oscuro, forjando su exploración del amor a través de personajes desagradables y autodestructivos. La sola cosa que estos seres tienen en común es la única que necesitan con desesperación.

mayo 08, 1999

Analyze Me - Analízame

Publicada en 1999


Terapeútica sesión psiquiátrica
 

Para el gángster newyorkino Paul Vitti la vida está complicándose cada minuto que pasa. No puede halar del gatillo para aniquilar enemigos, se deprime con facilidad, no puede dormir, llora cuando ve padres e hijos en comerciales de T.V.

Y no le digan a nadie, pero durante los episodios sexuales con la amante, sus "joyas reales" están fallando.

Todo el dolor y horror que ha vivido en su vida está finalmente saliendo a flote, disfrazado en forma de ataques de pánico. Un médico le sugiere que la solución puede estar en la terapia psiquiátrica.

Paul Vitti no es hombre de psiquiatras. Nunca lo ha sido. Un accidente fortuito le pone en bandeja de plata el nombre y dirección de un psiquiatra, Ben Sobol. Renuente, Vitti lo visita y descubre con gran asombro que su pequeña charla con el loquero parece aliviarlo. 

No pasa mucho tiempo antes que Vitti se le aparezca a Sobol en cualquier momento de su vida, a toda hora. 

La presencia de Vitti se convierte en una amenaza perenne en la vida de Sobol. No sólo está a punto de casarse y tiene otras cosas en la mente -además de arreglar los problemas de un mafioso-, sino que los federales están detrás de él, los demás mafiosos piensan que sabe demasiado de sus negocios y consideran que la hora de desaparecerlo ha llegado y su propio paciente es un tipo de muy mal carácter. Por otra parte, a Vitti lo están presionando los jefes de la mafia y uno de sus competidores más despreciables, Primo Sindone.

El panorama es negro tanto para Sobol como para signore Vitti. 

Analízame es una comedia afortunada en contar con la presencia de Robert De Niro y Billy Crystal. El primero porque a lo largo de su carrera ha interpretado una serie de criminales que lo han hecho famoso y el personaje le permite burlarse de sí mismo a costas de un guión divertido. El segundo porque con sus dotes natas como comediante puede abrazar fácilmente la personalidad de un terapista aburrido, que florece tanto a nivel emocional como en el profesional gracias a la odisea de peligros que vive con su paciente.

Los clichés tanto en personajes, ambientes, situaciones, incluso la música, sirven para sumergirnos en el conocido territorio de los filmes de mafiosos, pero explotando ahora su comicidad. No la analicen, simplemente disfrútenla. Quizás a ustedes también les sirva como terapia.

abril 30, 1999

Ed TV

Publicada en 1999.

Cuidado con la fama





Ed TV es una comedia ligera que busca satirizar algunas posiciones sobre cómo los seres humanos afectamos nuestras percepciones de una realidad dada, dentro de un mundo que está influenciado cada vez más por los medios de comunicación, en este caso por la televisión.


La trama gira alrededor de Ed Pekurny, un tipo cualquiera, quien accede a televisar su vida las 24 horas del día para una casi quebrada estación de T.V. por cable. Los resultados de este experimento son inesperados, drámaticos y algo pavorosos.


Esta película nos muestra cómo la transmisión de la información se distorsiona por circunstancias variadas. La cámara de televisión enfatiza ciertos aspectos, mientras hábilmente oscurece otros. La realidad externa se desproporciona mientras la vida interna de los personajes queda reducida.


Como resultado de esta distorsión, la realidad cambia. Todos los personajes envueltos modifican su comportamiento; actúan para la televisión, como lo hacen los intérpretes en cine o teatro.


El comentario central no se enfoca únicamente en las estrategias de los medios para aumentar el "rating". La fama también es sujeto de críticas en Ed TV. Hasta para los frívolos y simplones Pekurny, luego de disfrutar los primeros 15 minutos de fama y gloria, es obvio que el precio que están pagando no vale el esfuerzo ni las humillaciones que afrontan.

abril 24, 1999

Message in a Bottle - Mensaje de Amor

Publicada en 1999.

Mensaje perdido

Querida Catherine:
....Siento que he estado perdido, sin dirección, sin una brújula....Tú eras mi norte...
G.

Estas líneas son parte de un mensaje que "G." coloca en una botella y lanza al mar. Una carta que en principio era para su esposa, finalmente acaba en las manos de Theresa Osborne, investigadora de un periódico, quien sufre una reacción intensa al apreciar la sensibilidad que muestra el autor de tan apasionado mensaje. Encontrar a este hombre misterioso es la premisa ofrecida en Mensaje de Amor.

Protagonizada por Kevin Costner, Robin Wright Penn y Paul Newman, esta es una película que habla de las oportunidades, del amor perdido y encontrado y del valor y la voluntad de los seres humanos cuando deciden liberarse de las ataduras de un pasado difícil.

Theresa se vale de todos los medios a su disposición para identificar al hombre que escribió semejante carta de amor, llena de lamentos poéticos, arrepentimiento y sobre todo, un amor profundo.

El duro trabajo rinde sus frutos cuando Theresa encuentra al autor de las cartas, Garret Blake. Impulsada por una gran confusión de sentimientos, decide ir a conocerlo. Garret resulta ser un viudo que restaura botes y vive en una pequeña comunidad en las costas de Carolina del Norte. Un hombre triste, poco comunicativo y lacónico, que sigue de duelo por la pérdida de su esposa, ocurrida varios años atrás. La presencia de Theresa en su vida asoma la posibilidad de haber encontrado de nuevo al amor.

En esta historia, el amor entre dos adultos es reflejado en un tono fresco. Su torpeza y nerviosismo lo hacen sorprendentemente enternecedor.

Lástima que, luego de un inicio prometedor, este film cause gran decepción. Toda la honestidad usada en el reflejo de la historia de amor es lanzada por la borda para proveer un conflicto sin sentido. No tiene esperanza sentarse a ver que las cosas mejoren. Un final estúpido y melodramático me hace cuestionar cómo pudo a la misma mente que creó la primera parte de la historia ocurrírsele un desenlace tan patético. Innecesario era usar tal estereotipo.

abril 18, 1999

American History X

Publicada en 1999.

Las promesas de odio siempre están vacías


La estupidez del odio racial, el costo doloroso de la violencia figuran con intensidad en la controversial película de Tony Kaye, Historia Americana.

En el centro del drama está Derek Vinyard, quien después del asesinato de su padre, adopta los patrones de comportamiento del movimiento local de supremacía blanca. Brillante y carismático, Derek da a sus desorientados amigos un nuevo propósito de vida. Frustrados por verse atrapados en lo que parece un callejón sin salida, Derek los convence de creer que sus valores son morales y su causa justa. Sus acciones son radicales, tajantes y crudas.

Después de cumplir condena en prisión por homicidio no premeditado, Derek es puesto en libertad. Más adulto, parece haber abandonado la estela de odio de su pasado y regresa a su familia queriendo compartir su nueva visión con su hermano menor Danny, quien está siguiendo sus antiguos pasos.

Danny idolatra a Derek, pero está asombrado y desilusionado con su cambio. Devolverlo al camino correcto es el objetivo principal de Derek. Pero quizás sea demasiado tarde, ya que la familia se ha convertido en blanco tanto de neonazis como de grupos negros que buscan venganza por las acciones pasadas de los 2 hermanos.

Lo que da integridad a Historia Americana es lo mismo que la hace controversial: no presenta al protagonista como una persona esencialmente malvada, sino como un hombre que por ciertos sucesos se agarró a una forma de pensar radical como si esta fuera un salvavidas.

Y aunque Derek parece aprender de sus errores, no lo vemos tomar posiciones de juicio frente al grupo al que una vez perteneció. Simplemente desea hacer algo mejor con su vida; parece haber decubierto algo especial que lo hace abandonar ese camino de odio. Parte de la experiencia de ver la película es descubrir qué lo hace cambiar.

Historia Americana cuenta las escenas del presente en color, pero en su mayoría se usan flashbacks en blanco y negro. La ausencia de color también da una mayor aspereza a las escenas violentas y un realzado sentido de realismo.

Con un final predecible hasta cierto punto, Historia Americana nos ofrece soluciones para salir del paso en temas sociales contemporáneos, reforzando su mensaje contra el racismo y la violencia.

abril 13, 1999

Celebrity

Publicada en 1999.


Locos por la fama
 

¡Ah! La fama...un circo donde todos queremos un número. ¿Quién no está fascinado por ella? El director Woody Allen examina este fenómeno en un fantástico trabajo llamado Celebrity.

Kenneth Branagh es Lee Simons, un escritor que en busca de apoyo para su guión, entrevista a estrellas famosas. Mientras va adentrándose a un mundo lleno de actores de cine, actrices, supermodelos y grandes personalidades, Lee termina su matrimonio con Robin, quien al principio no toma bien el divorcio, pero poco tiempo pasa antes que conozca a un hombre carismático que cambia su vida y su visión sobre el futuro.

Aguda comedia que nos expone las razones tontas por las que la gente se hace famosa y la manera aún más ridícula cómo se comportan, Celebrity está brillantemente actuada, impecablemente escrita y filmada en impactantes blanco y negro.

Nuevamente es imposible no evitar encontrar una serie de paralelismos con la vida real del director. Lee Simons es un típico "Woody", escritor de mediana edad que manda a volar a su esposa de 16 años para enredarse con jovencitas que podrían ser sus hijas; es hiperkinético, tiene un agudo humor negro, obsesionado con el sexo, las relaciones interpersonales y vive hablando todo el tiempo de sus múltiples neurosis. 

La representación de lo que podría ser su vida se convierte en Celebrity en una dura crítica contra sí mismo. Es la voz de un hombre atormentado.

Lo interesante en Celebrity es que nos presenta a Lee Simons como un hombre confiado, arrogante, feliz, llevando la vida que siempre soñó. ¿Y quién puede culparlo por eso? Pero gradualmente, las capas de esa supuesta felicidad van cayendo hasta dejar al personaje  desnudo con las voces de sus propios demonios. Celebrity revela la fragilidad del ego humano.

Cita inolvidable:
Robin Simon: I've become the person I've always hated, but I'm happier.

abril 04, 1999

Flawless - Nadie es Perfecto

Publicada en 1999.


Pareja imperfecta


Con una simple mirada, sabemos que Rusty y Walt son tan diferentes como el día y la noche, y como bien titula su historia, nadie es perfecto. Ellos ciertamente no lo son.

Walt es un guardia de seguridad retirado, ultraconservador, heterosexual y homofóbico. Su ordenada vida transcurre entre juegos de pelota y cartas con sus amigos, y la ocasional salida nocturna donde pone en evidencia su gusto por el tango.

Rusty es un travesti extravagante, cuyas pelucas y vestimenta son oda a los discotequeros de los años setenta. Pasa sus días enseñando a sus otras amigas a cantar y cose suntuosos vestidos de concurso para poder pagarse la operación que lo transformará en mujer.

Ambos viven en el mismo edificio y no ocultan su mutuo desagrado. Pero en un dramático giro del destino, Walt y Rusty se verán obligados a compartir unas cuantas tonadas y momentos que los harán percatarse de cuánto tienen en común.

La pareja protagonica de la cinta de Joel Schumacher es el más reciente experimento cinematográfico para mostrarnos una pareja tan incompatible que pareciera que vinieran de planetas diferentes.

La mayor ironía reside en las similitudes que ambos experimentan en su vida, muy a pesar de sus diferencias físicas.

Un excelente diálogo acompaña las actuaciones de Robert De Niro y Phillip Seymour Hoffman. El primero despliega con veracidad las limitaciones físicas y emocionales de Walt. Hoffman por su parte, se roba el show con su impecable actuación, demostrando una vez más su excelencia como actor de carácter.

Los mejores momentos del filme transcurren cuando vemos a Walt y Rusty en acción. Es una química perfecta, y uno de esos escasos momentos en los que podemos disfrutar de dos grandes actores entregando lo mejor de sí mismos.

abril 02, 1999

Blast from the Past - Mi Novio Atómico

Publicada en 1999.

Esta explosión necesita más energía


La nueva comedia romántica Mi Novio Atómico basa su historia en el encuentro de dos seres que provienen de tiempos diferentes. Contrastar los años 60 y los 90 es el objetivo de este filme que utiliza un humor agraciado, pero muy poca imaginación.

El año: 1962. En plena era Kennedy, la amenaza de un bombardeo nuclear debido a la crisis con Cuba es el evento que dispara los miedos y temores de un científico brillante de llevarse a su esposa embarazada para un refugio que construyó bajo la tierra. Y para asegurarse que no hayan efectos posteriores a la radiación, decide que deben pasar décadas antes de regresar a la superficie.

Adam nace en este refugio y crece viendo El Show de Lucy, escuchando discos de Perry Como y cultivando los ideales de los años 60. Su papá le enseña sobre ciencia y beisbol; su mamá a bailar, idiomas, modales y cómo cortejar chicas.

35 años pasan, y por fin llega el momento cuando Adam, que lo sabe TODO en teoría y tiene cero práctica, tiene que subir a un mundo que ha variado algo desde que sus padres lo abandonaron.

Es aquí cuando conoce a Eve (que apropiado), una joven dura, sexy y mordaz que lo ayuda a navegar por los 90. Con semajantes nombre, Adam y Eve, uno puede imaginarse que vendrá después.

Mi Novio Atómico pudo haber sido una película diferente; la idea era buena, pero sus guionistas parecen haberla dejado caer dentro del cliché típico que hemos visto 100 veces en otras comedias románticas.

marzo 10, 1999

El Show de Truman

Publicada en 1999.


En el aire...Truman Show

Lo mejor es ver esta película sin saber mucho de ella.

El Show de Truman resulta ser una experiencia única para todos aquellos que la ven. Es una historia profunda, conmovedora y polémica. Una mezcla de realidad y absurdo, drama y comedia.

Imaginémonos un ambicioso productor de TV que concibe la idea de adoptar un bebé y crear para él un mundo ideal y perfecto, una bonita isla dentro de un estudio gigantesco que parezca real. Y es que para el bebé esa será la realidad porque ¿con qué parámetros podrá comparar su mundo con otro, si no conoce nada más? Así es la vida para Truman Burbank, el personaje central de este film.

Truman crece rodeado de cámaras ocultas y seres que se hacen pasar por su familia; durante toda su vida es guiado a seguir un camino "x" o "y", preseleccionado por el creador de su show, completamente ignorante de que millones de personas lo observan las 24 horas del día. 

Todos los momentos felices, tristes, incluso sus momentos de soledad son expuestos al mundo entero, que lo mira con delicia y placer. Y siempre esperando más.

¿Puede realmente la humanidad devorar con tanto gusto la vida de otro ser, forzándolo a vivir una farsa para el entretenimiento de una mayoría, sin sentir culpa o compasión?  
Claramente el fin de la cinta es permitirle a Truman la oportunidad de descubrir la charada maquinada por Christof (Ed Harris).

Increible, Jim Carrey trae a la vida un Truman agradable y creíble, aunque no deja de incorporarle su toque personal (como esa amplia sonrisa que estampa en todas sus películas). Captura la ingenuidad de un ser confiado y la angustia de un hombre en busca de respuestas y algunas verdades. Es capaz de reir y llorar, de tener miedo y de ocultarse tras una máscara cuando esta deprimido.

¿Comedia o drama? Francamente no importa saberlo. Truman es graciosa, dramática, reflexiva. Es un todo complejo y separar sus componentes para lograr etiquetarla dentro de un grupo sería injusto. No trata un solo tema: es sobre la realidad y cómo la cuestionamos o simplemente la aceptamos sin mirar bien a que estamos siendo expuestos, es una sátira inteligente sobre la televisión, es una crítica a la manipulación de los medios, es un juicio delicado a la falta de sensibilidad en la humanidad. No se trata de establecer un criterio único y definitivo. De puntualizar quién es bueno o malo. El espectador tiene la última palabra.

marzo 01, 1999

The Thin Red Line - La Delgada Línea Roja

Publicada en 1999.

La guerra interna es la peor de todas


En una isla al Sur del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de soldados está a punto de vivir una batalla que manchará de sangre ese paraíso. Soldados, flora y fauna, serán víctimas de la locura de la guerra.


Hablar de La Delgada Línea Roja, reciente historia sobre la batalla de Guadalcanal, no es hablar de la típica película de guerra. No es el acostumbrado cúmulo de escenas de batallas y actividades militares, explosiones y sonido estruendoso, aunque posee todo lo anteriormente mencionado.


La principal guerra de estos soldados es con su conciencia. Preguntarse por qué están peleando, escuchar lo que su mente grita es la máxima explorada en esta película. 

Monólogos internos sobre la naturaleza de la guerra, la evolución del mal en el ser humano, las memorias del hogar, la familia, el miedo y la culpa luego de asesinar a alguien por vez primera. Dudas y preguntas imposibles de ventilar en el mundo masculino y machista del militar toman voz para la audiencia en La Delgada Línea Roja.




La guerra se convierte en una serie de mentes y rostros atormentados encerrados en un campo de balas y armas. El efecto es conmovedor.


Una lista larga de actores alimentan el reparto de La Delgada Línea Roja. Muchas caras desfilan a lo largo de sus 180 minutos de duración. Tan buenos intérpretes como pueden ser, nunca conocemos bien a los personajes.


Una fotografía espectacular acompaña algunos de los grandes momentos de la cinta. El clímax no es fuerte, más el impacto acumulativo que causa la película no tiene que ver con la historia y todo con el humor que provoca.


La Delgada Línea Roja nos permite dar una mirada a la condición humana en medio de la situación más caótica de todas, la guerra, con una visión original y un mensaje contra la violencia y la destrucción ambiental.

febrero 27, 1999

Shakespeare in Love - Shakespeare Enamorado

Publicada en 1999.

Enamorados del amor


Escritores: no desesperen. Cuando en algún momento las palabras quedan atrapadas dentro de su mente, permítanse todas las oportunidades posibles. Y recuerden: quizás a Shakespeare también le pasó.


La idea que uno de los autores más grandes de la literatura haya sufrido de un bloqueo tal que no le permitiera trasladar al papel la tragedia romántica más famosa de todos los tiempos es difícil de creer. Pero que fácil es cambiar de opinión luego de ver Shakespeare Apasionado.


Este no es el célebre Shakespeare que conocimos en la universidad. Es un joven escritor con sus dedos llenos de tinta, cuentas que pagar, rivales que vencer y una vida llena de amores prohibidos, nodrizas cómplices, duelos y hasta la aparición ocasional de un fantasma.


Corre el año 1593 bajo el reinado de la regia Elizabeth I. Recién llegado de Strattford, Will ha creado ya cierta reputación como escritor de obras de teatro. Aunque la plaga está en la mente de todos, dos teatros se pelean por su próxima comedia. El problema es que Will se encuentra incapaz de escribir una línea. Incluso el título, "Romeo y Ethel: la Hija del Pirata", no lo convence del todo.


Will tomará ideas de cualquier lugar para despertar nuevamente su don: desde diálogos callejeros, fórmulas de brujos que incluyen brazaletes y musas erróneas, hasta las acertadas ideas de su rival, Christopher Marlowe.


Desanimado, Will se halla en medio de una fiesta cuando su ser entero se tambalea frente a la presencia de Viola de Lesseps.


Aunque Will está casado -su esposa e hijos están en otra ciudad- y Viola está comprometida para casarse con Lord Wessex, nada es obstáculo para que los dos amantes consumen su amor. Atrapados en una pasión tan intensa como condenada, Viola realiza su sueño de actuar en las tablas y Will entierra a Romeo y Ethel mientras su pluma revitalizada inmortaliza la historia de Romeo y Julieta.


Lo que resulta maravilloso es observar a lo largo de esta película como los personajes son prendados por el amor. Amor teatral y amor verdadero chocan hasta confundirse y finalmente ser uno solo.


El director John Madden ha ensamblado una obra que captura el romanticismo y ambiente del siglo XVI, la intriga de su teatro y la opulencia social. El guión de Marc Norman y Tom Stoppard destila ingenio y humor. Juntas comedia y tragedia crean una locura magnífica. El reparto no decepciona en ningún segundo.


Joseph Fiennes es excelente como Shakespeare. No sólo atractivo, es increíblemente talentoso. Proyecta el engreimiento e inseguridades del escritor. Como su musa, Gwyneth Paltrow es luminosa. Junto a ellos, Judi Dench, como la Reina Elizabeth, demuestra lo bien que le va interpretar a la realeza. En el papel del desesperado empresario teatral perseguido por acreedores, Geoffrey Rush nos deslumbra ahora con su talento como comediante. Ben Affleck ejercita sus dotes humorísticas como el vanidoso actor relegado a un pequeño papel. Colin Firth le da vida al clásico villano que no permitirá al amor interponerse en su felicidad. Tom Wilkinson como el patrocinante que al principio sólo piensa en el dinero pero finalmente cae seducido por el teatro es despreciable y luego conmovedor.


Ni hablar del fabuloso diseño de vestuario, fotografía y producción. El trabajo es exquisito y detallado, sin dejar de sugerir el período que representa, complementando la fantasía que escritores, director y actores logran recrear.


Ganadora de 7 premios Oscar, incluyendo Mejor Película, no dejen de ver esta irresistible historia donde Shakespeare hará que amor al arte y amor romántico se transformen uno en otro, como sólo él podría lograrlo.

Cita Inolvidable:
(Disfrazada de Thomas Kent) Viola de Lesseps: Tell me how you love her, Will.
William Shakespeare: Like a sickness and its cure together.