noviembre 29, 2010

La Red Social - The Social Network



_____ quiere ser tu amigo en Facebook es quizás una de las frases que han signado esta década. A raíz de la creación de la red social surgió una nueva manera de relacionarnos. La metamorfosis en las relaciones humanas tiene un antes y un después de Facebook.

Y el origen de este fenómeno es la excusa perfecta para la más reciente cinta del director David Fincher, La Red Social.

¿Por qué digo una excusa? Porque no vamos a ver una historia sobre lenguajes de programación, ecuaciones matemáticas ocómo millones de personas se conectan a una red y comparten fotos, mensajes o videos. No.

La Red Social es la eterna historia de la aspiración individual por pertenecer a un grupo, del poder que se obtiene con "la exclusividad", de ganadores y segundones, de rechazo y de aceptación, de amistad y traición.

Cuando se lee así, suena bastante convencional. Pero lo genial de la cinta es la manera como está narrada, prácticamente como un duelo intelectual entre su creador, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), y los abogados de su ex mejor amigo, Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y sus enemigos, los gemelos Winklevosses (Armie Hammer).

A lo largo de la trama, vamos al pasado y se nos permite echar un vistazo a la experiencia universitaria -exclusiva y elitesca- de Harvard, donde mentes brillantes conviven con otras presiones, la tradición, el clasismo, los privilegios, la cultura de ganar, de ser el primero, de entender que en el mundo nadie recuerda al que llega en segundo lugar.

En dos horas de rapidísimo diálogo concebido por Aaron Sorkin, Fincher se las arregla para plasmar una especie de thriller legal con toques de drama y comedia, bajo una paleta fotográfica de marrones y azules, fría como una pantalla de computador, como su protagonista.

Los acordes musicales de Trent Trenzor y Atticus Ross nos acompañan cómplices en esta historia donde palabras van y vienen como balas de ametralladora, absorbiéndonos en un mundo tan exclusivo como uno de esos clubes sociales de Harvard, donde tenemos el chance de observar como pocos poderosos deciden el destino de muchos, a veces sin saber a ciencia cierta las consecuencias, los cambios y el impacto que sus decisiones tendrán en el mundo, y en ellos mismos.

noviembre 23, 2010

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1 - Harry Potter and the Deathly Hallows: Part I






12 años atrás inicié un romance indefinido con un mundo mágico. En papel, Harry Potter se convirtió en una de mis fantasías escapistas favoritas. No podía esperar el lanzamiento de un nuevo episodio para descubrir los secretos y misterios del joven con la cicatriz de rayo, el elegido, el niño que vivió.

Su transferencia al celuloide, si bien ha sido exitosa desde los estándares comerciales, siempre me dejó con un sabor agridulce, porque a excepción de la tercera y la quinta cinta, el resto de las películas nunca alcanzaron el nivel de emoción que los libros me brindaron. 

Por eso me alegra sobremanera decir que Harry Potter y las Reliquias de la Muerte no tiene este problema. Lo que no quiere decir que sea perfecta, pero después del Prisionero de Azkabán y la Orden del Fénix, es la mejor película de la saga.

La historia la sabemos ya. Harry Potter debe vencer a Voldemort y para ello, debe localizar los Horcruces que contienen pedazos de su alma y destruirlos uno a uno. En compañía de Ron y Hermione, Harry inicia su misión, descubriendo secretos, aliados y enemigos, mientras el puño de Voldemort, sediento de poder y la necesidad de aniquilar a Potter,  hace estragos en el mundo mágico y en el de los Muggles.

Lejos de Hogwarts y sus guardianes, el trío enfrenta por primera vez el mundo adulto: frío y abrumador. Esta madurez recién adquirida no parece gran cosa cuando vemos a los chicos en la inmensidad de los paisajes rurales donde buscan refugio del ojo vigilante de Voldemort. No es de extrañar entonces que víctimas de este ostracismo voluntario, otra clase de maldad aflore, la de los celos, la inseguridad y la envidia.

Muchos se quejan de la poca acción y de las escenas taciturnas en medio de los parajes ingleses. Pero el silencio y la contemplación son palabras clave en Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Ante la misión abrumadora que les espera, pasamos un buen rato viendo a Harry, Ron y Hermione sin decir mucho, contemplando el vacío, en reflexión. Y así debe ser, pues lo que está en juego es la existencia misma de su mundo y de sus seres queridos.

En ese ambiente cuasi-apocalíptico fotografiado por Eduardo Serra, el director David Yates se las ingenia para insertar momentos de desahogo, bien sean cómicos o de acción: El escape de los 7 Harrys, la boda de Bill y Fleur, la infiltración en el Ministerio de la Magia, la historia de las Reliquias de la Muerte, ejecutada en una animación fantástica. 

Los personajes secundarios parecieran desfilar en pantalla sin ninguna otra meta que dar apoyo al trío protagonista; pero en Harry Potter ningún personaje es trivial. Cada quien aporta su grano a la historia y a los hechos. Hay un sabor a El Señor de los Anillos que se hace contundente en la búsqueda de Voldemort por la varita más poderosa; o en el guardapelo, especie de Anillo que corrompe los pensamientos de Harry y Ron, sobre todo en este último, capaz de imaginar su peor miedo y la escena más innecesaria de la película (faux pax para Yates y Kloves).

Existe otra cara de Harry Potter que muchos no ven, y es la crítica aguda a la política. Más allá de la fantasía, vemos la corrupción, el ansia de poder y las ideologías extremas que nos provocan sentimientos de rechazo: una especie de nazismo despacha desde el Ministerio de la Magia, impulsado irónicamente por Voldemort (un “sangre sucia”). La visión es espeluznante, y quizás pase como un elemento “más” de la historia. Pero está ahí por algo.

La primera parte de este episodio Harry Potter concluye en un punto donde la esperanza parece abandonar a nuestros héroes y el mal parece avanzar sin mayores obstáculos. Pero confío en que antes de que Harry nos abandone por siempre, nuestro apetito por esa épica confrontación final será satisfecho, con la ayuda de un poco de magia, que nunca cae mal.

noviembre 03, 2010

Atracción Peligrosa - The Town


Anualmente en Boston ocurren 300 robos de banco. Y Charlestown, un vecindario de unos 2.5 kilómetros cuadrados, ha producido más ladrones armados que cualquier otro lugar de Estados Unidos. Con este preámbulo llega a las pantallas una historia sobre el crimen y las segundas oportunidades llamada Atracción Peligrosa (The Town), dirigida por Ben Affleck (Good Will Hunting, Pearl Harbor, Hollywoodland).

Como buena representante del género, la película inicia con un robo. Cuatro enmascarados entran a una oficina y someten a los empleados y clientes a su terror. “Nadie saldrá herido” es la promesa de Doug MacRay (Affleck) pero su compañero Jem (Jeremy Renner, The Hurt Locker) es de los que prefiere disparar primero y preguntar después. La pandilla secuestra a la gerente del banco, Claire Keesy (Rebecca Hall, Vicky Cristina Barcelona), para luego dejarla libre. Cuando los atracadores se enteran de que Claire vive en Charlestown y ante el temor de ser descubiertos, Doug planifica un encuentro accidental con ella que eventualmente se transforma en un romance. Y de esa relación nace en Doug el deseo de aspirar a una vida mejor. Pero dejar atrás los errores y la violencia no es fácil. Menos cuando el FBI está pisándote los talones y tus amigos no te dejan olvidar el pasado.

Las calles de Boston son terreno familiar para Ben Affleck. De ellas salió su guión ganador del Oscar de 1997 En Busca del Destino (Good Will Hunting) y su primera aventura como director, la magnífica cinta Gone Baby Gone. Con Atracción Peligrosa, el actor y director nos acerca a un micro mundo de delincuentes, mafias y círculos viciosos donde el crimen y las drogas hacen estragos. Affleck tiene buen ojo para el drama y esta vez lo complementa con escenas de acción que si bien son más de lo mismo no restan importancia a la historia.

Affleck saca el máximo de sus actores, especialmente de Jeremy Renner, que le crispa los nervios al más aplomado y Chris Cooper (Adaptation, American Beauty) y Pete Postlthewaite (In The Name of the Father, Romeo y Julieta) que juegan pequeños pero contundentes roles en la historia. Atracción Peligrosa nos muestra la cultura del crimen y ese honor entre ladrones que tanto se ve en los libros. Redimirse es posible, pero difícilmente escaparás de las consecuencias de tus acciones. Todo tiene un precio

octubre 13, 2010

Kick Ass



Un comic book que no se parece a ningún otro. Una historia de súper héroes que se burla de los buenos, los malos, los nerds y los feos. ESO, señores, es Kick Ass.

No estamos hablando de extraterrestres con poderes, mutantes o enmascarados millonarios con gadgets que pelean contra el crimen en mundos fantásticos. Kick Ass mezcla lo increíble del mundo de los héroes con realidad, mucha violencia y comedia. Ridiculizando su género hasta más no poder, Kick Ass expone sus absurdas premisas recargada de acción, venganza y color (y cero diálogos PG-13, hay un banquete de groserías).

La historia inicia con un adolescente llamado Dave Lizewski (Aaron Johnson), el típico nerd cuyo único poder es ser invisible para el resto del mundo. Un día, Dave se pregunta por qué no existen súper héroes en la vida real e ingenuamente decide convertirse en uno llamado Kick Ass. Una compra rápida por Internet provee a Dave de su disfraz y de esta manera el chico se lanza al ruedo de la lucha contra el crimen.

La grabación de una golpiza lo convierte en una sensación de Internet y pronto Kick Ass es todo un fenómeno que no pasa desapercibido por el señor del crimen Frank D’Amico (Mark Strong), quien decide que es hora de acabar con la popularidad de Kick Ass. Pero D’Amico no es el único que se interesa en el inexperto héroe. Un dúo más profesional de superhéroes llamados Big Daddy (Nicolas Cage) y Hit Girl (Chloe Grace Moretz) también le echan el ojo y cuando la confrontación de fuerzas se hace inevitable, Dave aprende lo que significa ser un verdadero héroe.

El consenso popular nos dice que los héroes son símbolos del bien, la justicia y bla bla bla. Pero en Kick Ass, ese argumento rodó por las escaleras. Si acaso, los súper héroes son una pila de sadomasoquistas paranoicos al borde de la locura, vengativos y más adictos a la violencia que los propios criminales que persiguen. Nada de preceptos nobles como “the greater good” o cosas por el estilo.

En Kick Ass abunda la violencia gráfica como en una película de Tarantino. Como si temiera perder nuestra atención, el director Matthew Vaughn (Layer Cake) nos atiborra con elementos tarantinescos, del animé japonés, del humor negro y las típicas comedias adolescentes americanas para narrar su historia a un ritmo vertiginoso, explotando descaradamente a la joven Chloe Grace Moretz y desafiando cualquier concepto de lógica o coherencia.

El resultado es una cinta audaz, divertida y tan desfachatada que cuando vemos a una niña de 11 años recibir de su propio padre un entrenamiento cruel con chaleco antibalas, lo primero que pasa por nuestra cabeza es soltar una sonora carcajada. En el cajón del olvido quedó la vergüenza.

octubre 08, 2010

CÁPSULAS: The Rebound & The Private Lives of Pippa Lee

Víctima de las preferencias de una de mis panas cinéfilas llegaron a mis manos dos cintas cuyas historias giran alrededor de personajes femeninos. Hoy comparto con ustedes mis apreciaciones de ellas:
The Rebound: dirigida por Bart Freundlich (ajá, el esposo de mi querida Julianne Moore) y protagonizada por Catherine Zeta-Jones y Justin Bartha, esta comedia ligera nos cuenta de las aventuras de una recién divorciada (Zeta-Jones) que se relaciona con un chico 15 años menor que ella (Bartha). Una propuesta nada original y burda de las peripecias de dos personajes tratando de encontrarse a sí mismos mientras llevan adelante una relación que nace de su propia desorientación. Las actuaciones no son un desperdicio del todo pero los chistes de mal gusto abundan en esta historia que irónicamente es un reflejo de uno de sus personajes, un joven perdido queriendo ser adulto pero sin la madurez suficiente para dominar la situación.


The Private Lives of Pippa Lee: Esta cinta de Rebecca Miller tiene un reparto no menos que espectacular: Robin Wright Penn, Blake Lively, Alan Arkin, Keanu Reeves, Maria Bello, Winona Ryder y Monica Bellucci. La historia de Pippa Lee es la historia de Wright Penn: la de una mujer con una vida de ensueño, madre de dos hijos y esposa devota de un hombre que le lleva 30 años; Pippa Lee es amiga, confidente, la perfecta vecina, amable y perfecta. Pero al iniciar una nueva etapa de su vida en un suburbio de retirados, su mundo casi idílico comienza a descoserse como un vestido viejo y mientras los retazos de la persona que Pippa solía ser despiertan y amenazan con poner patas arriba su existencia de figurita de porcelana. Este es un rol hecho a la medida para Wright Penn, quien brilla con luz propia en este mezclote de sátira, drama y comedia. La historia derrocha personajes coloridos y fuertes personalidades femeninas, desde la errática madre de Pippa interpretada por Maria Bello, su tía Trish (una divina bohemia y lesbiana Julianne Moore) y la muy  divertida Winona Ryder como la neurótica Sam (te extranaba Winona). Las Vidas Privadas de Pippa Lee es un accidentado viaje emocional donde exploramos las relaciones de madres e hijas, amantes, amigos y esposos, sus errores, tragedias y hasta los misterios del sonambulismo. Recomendada.

septiembre 25, 2010

Inception - El Origen



Después de darle muchas vueltas al asunto, decidí escribir sobre Inception. Esta vez se me hizo más complicada la cosa, porque no es tan fácil hablar de un largometraje que ha sido analizado y revisado por millones de personas. Así que ahí voy…

Empezaré por algo sencillo. Una persona: Christopher Nolan. El director que no se parece a ningún otro. El que reinventó Batman. En menos de una década y sólo con 6 películas en su haber, Nolan se ha convertido en uno de mis cineastas favoritos; es un hombre que cuenta historias interesantes, que te hacen ir un poco más allá de lo obvio y lo complaciente. Es también alguien con un gusto y estilo visual muy singular, muy “cool” como decimos a veces y esa combinación lo convierte en un artista muy atractivo, al menos para mí.

En los trabajos pasados de Nolan, he visto una cierta fascinación por las historias complejas y enrevesadas, por las obsesiones humanas y el engaño. No es fanático de la narración lineal, si acaso lo contrario, y creo que parte de ese encanto proviene del hecho que le gusta jugar con nuestras mentes, ponernos a prueba, confundirnos, deslumbrarnos y vaya usted a saber qué más.

Con esta película estamos en presencia del máximo juego de confusión que Nolan pudo haber concebido: la realidad versus los sueños, lo que es verdadero y lo que no es.

El mundo de Inception existe bajo la premisa de que una persona puede invadir o manipular los sueños de otras para tratar de sacarle información. Algo así como un espionaje industrial surrealista. Es una práctica tan común que existen profesionales que se encargan de entrenarte sobre cómo no permitir que te extraigan información cuando estás dormido. Dom Cobb (DiCaprio) es el ladrón de secretos más experto de la liga, y cuando Saito (Ken Watanabe) le ofrece un trabajo que va más allá de la extracción de ideas estándar, el resto de su equipo duda si será posible ejectutarlo: no se trata de robar una idea sino de implantar otra en el subconsciente de un poderoso heredero llamado Robert Fischer (Cillian Murphy) para que destruya el imperio de su padre sin que se dé cuenta que la idea no fue suya.

A partir de aquí comienza la diversión para Nolan, quien se encarga de introducirnos a los personajes en medio de elaboradas secuencias de acción y diálogos sofisticados, mientras Ariadne (Ellen Page), la diseñadora de los sueños y sus diferentes niveles, recibe su entrenamiento. Con ella aprendemos que mientras más nos adentremos al subconsciente, más difícil es regresar a la realidad, que los sueños pueden cambiar, ser controlados y transitados sin que la víctima se percate, pero también pueden ser frágiles, y el más mínimo error o detalle pueden definir la continuidad del sueño o su colapso total.

En total, son cuatro niveles de sueños que visitamos una vez que se inicia la implantación de Fischer. Es un poco complicado y difícil de seguir, porque los detalles se pueden escapar con facilidad mientras observamos los intrincados escenarios que Nolan ha diseñado para distraernos.

Decir que Inception es una película ambiciosa es quedarme corta al tratar de describirla. A ratos pareciera que Nolan quiere hacernos caer en una trampa más con su elocuencia psicológica, otras nos quiere maravillar con sus extenuantes y calculadas escenas de acción y efectos especiales. Es frustrante, es emocionante, es elegante y tiene escenas que ya son icónicas. La única cosa que me desagradó fue el poco desarrollo de los personajes secundarios. De las actuaciones no tengo ninguna crítica (mis favoritos, Marion Cotillard como Mal y Tom Hardy como Eames). La fotografía de Wallly Pfister es nuevamente magnífica. Si bien el final es ambiguo y eso puede desagradar o desconcertar a muchos, creo que la clave está en asimilar que no se trata de definir qué es realidad o fantasía. Siempre será una realidad lo que consideres más importante. Y al aceptar esta idea, caemos todos dentro del juego que el mismísimo Nolan diseñó para nosotros.

septiembre 10, 2010

El Secreto de sus Ojos


La obsesión de un hombre aferrado a un recuerdo desencadena un viaje entre el pasado y presente en la cinta ganadora del Oscar a la Mejor Película del 2010, El Secreto de sus Ojos.
 
Una mujer es brutalmente asesinada y cuando las fuerzas policiales desdeñan el caso como un simple asalto, el asistente de la Fiscalía Benjamín Espósito  (Ricardo Darín) continúa su búsqueda de la verdad, apoyado por la nueva juez de su departamento, Irene Menéndez (Soledad Villamil), su mejor amigo Pablo Sandoval (Guillermo Francella) y el desolado esposo de la víctima, Ricardo Morales (Pablo Rago).

Durante 25 años, el caso ha atormentado a Benjamín. Su ofuscación lo lleva a revivir el misterio que marcó su vida sin pensar en las consecuencias de esta decisión. Y no pasa mucho tiempo hasta que las viejas heridas se abren, los arrepentimientos lo atormentan y un amor del pasado le recuerda amargamente la posibilidad de una vida que no fue.

La pasión, el amor, la culpa y la venganza toman la palabra en este dramático suspenso donde el director Juan José Campanella articula con maestría la historia de unos personajes bien desarrollados que nos enganchan con sus emociones tácitas, con las verdades a medio decir. Ricardo Darín es especialmente convincente como el hombre afligido cuya obsesión lo lleva más allá de la línea del deber, una mezcla sutil de melancolía y heroísmo que lo hizo irresistible para mí. Pero para ser justa, el reparto entero ofrece actuaciones de primera clase.

Entre las reminiscencias del pasado y las acciones del presente, somos testigos de los eventos que persiguen a Benjamín, de su necesidad de redención, de sus remordimientos. Ningún secreto quedará sin descubrir si prestamos atención a lo que las miradas de nuestros protagonistas gritan a todo pulmón. Magnífica película.

septiembre 03, 2010

Corazones Ardientes - The Burning Plain


Un tráiler en llamas sobre una planicie desolada inicia una tortuosa travesía emocional en la cinta de Guillermo Arriaga, Corazones Ardientes.

A través de su característica narrativa fracturada, el director y escritor de películas como Amores Perros y 21 Gramos nos invita a explorar las vidas de unos personajes separados por el tiempo y las circunstancias: Sylvia (Charlize Theron), una mujer que lucha con sus demonios internos, Gina (Kim Basinger) y Nick (Joaquim de Almeida), una pareja que debe lidiar con las consecuencias de su romance prohibido y Mariana (Jennifer Lawrence) y Santiago (Danny Pino), dos adolescentes tratando de reconstruir sus vidas luego de una tragedia.

Contar mucho de la trama estropearía la experiencia. El guión escrito por el mismo Arriaga nos presenta una historia un tanto intrincada pero a la que si le prestamos la suficiente atención, podremos resolver sin inconvenientes.

Las piezas que componen Corazones Ardientes forman un rompecabezas que poco a poco va tomando forma, develando sus misterios. La culpa, la redención, el amor y las relaciones entre padres e hijos son los temas protagonistas de este drama en el que Arriaga saca provecho del talento de su reparto: Theron es desgarradora, Basinger es vulnerable y atormentada; Lawrence es una revelación. Los caballeros también se lucen, aunque con papeles menos impactantes.

Entre los desérticos paisajes de México y las impersonales ciudades de Estados Unidos, estos seres nos mostrarán las cicatrices y los miedos paralizantes que los traumas producen y como la sanación, aunque esquiva, está latente en los lugares menos inesperados.

septiembre 01, 2010

Cartas a Julieta - Letters to Juliet


En la onda del cine romanticón y light que a veces no cae mal, fui a ver Cartas a Julieta. Con sólo ver los primeros minutos, comprendí que estaba en presencia de esas películas donde uno sabe lo que va a suceder, donde los personajes son arquetipos diseñados para provocarte respuestas emocionales específicas, donde la música y la fotografía son elementos clave para conectarte con una historia que aunque hemos visto cientos de veces, te reconforta como si fuera la primera vez que la ves. Una fórmula comercial tradicional sin ningún valor más allá del entretenimiento masivo.

La película se centra en Sophie (Amanda Seyfried), una aspirante a escritora sin valor suficiente para pedirle a su jefe que la deje escribir en la revista y en la semana previa a su boda, decide visitar Verona con su prometido Víctor (Gael García Bernal), un chef cuyo primer amor es la cocina y su restaurant. Abandonada en la romántica ciudad italiana, Sophie visita la casa de la supuesta Julieta de Shakespeare, un lugar donde cientos de mujeres dejan a diario cartas a la heroína romántica solicitándole su consejo.

Sophie descubre una misiva que tiene 50 años esperando por la respuesta de Julieta. Su remitente es Claire, una británica enamorada de un italiano llamado Lorenzo al que abandonó sin ninguna explicación. Sophie decide responderle y la sorpresa es grande cuando Claire (Vanessa Redgrave) y su nieto Charlie (Christopher Egan) llegan a Verona en busca de ese amor que se perdió en el tiempo.

A partir de ahí se inicia un recorrido por los idílicos parajes de Toscana, mientras Claire busca a su Lorenzo y Sophie evalúa su propia situación amorosa. Situaciones graciosas  abundan, y una vez más somos testigos que cuando se trata de romance, los italianos  llevan la batuta. Sorpresivamente, el encanto de la película proviene más de la resolución del romance de Claire y Lorenzo (Franco Nero) que de la historia de Sophie. ¿Por qué? Sin duda por Vanessa Redgrave, una señora actriz que hasta en el papel más simplón te engancha, te conmueve y te desmorona. Una mirada suya transmite más emoción que todos los pestañeos de nuestra joven protagonista. Quisiera algún día Amanda Seyfried tener un cuarto del talento de esta legendaria actriz.

agosto 28, 2010

Mi Villano Favorito - Despicable Me


La competencia en el género animado se volvió un poquitín mas interesante con la nueva propuesta de Illumination Entertainment, Mi Villano Favorito (creo que me gusta más su nombre original, Despicable Me).  Gracias al toque modernista que la casa de animación francesa Mac Guff Ligne le imprimió a su diseño de imagen, este es un filme que no se ve como otros, un rasgo refrescante y muy apreciado.

La cinta nos introduce a Gru, un villano desagradable que es capaz de congelar personas para adelantarse en la cola de la cafetería. La vida de Gru se concentra en urdir una canallada tras otra, con el objetivo de lograr ser reconocido como el Villano Más Grande del Mundo y ganar el respeto de su madre.  Desde el sótano de su casa -especie de laboratorio siniestro- Gru fragua con su fiel Dr. Nefario y los Miniones (esos marshmallows amarillos con lentes y bragas azules) cada una de sus trastadas. Pero sus planes son saboteados cuando otro villano llamado Vector entra en escena y amenaza con robarle a Gru el golpe maestro que lo consagrará como el maluco supremo en la Tierra.

Y es aquí cuando la historia toma un giro hacia el cómodo cine familiar: para salvaguardar su honor, Gru se ve forzado a adoptar 3 huérfanas que le servirán de señuelo para distraer a su archienemigo. Y la convivencia de Gru con las 3 chiquillas le dará a nuestro despreciable protagonista más dolores de cabeza que los que cualquier enemigo podría provocar.

Las risas y el humor abundan en Mi Villano Favorito. Los Miniones proveen la mayoría de ambos, con sus personalidades hiperactivas, su apariencia inusual y sus voces chillonas. Parodiando a las historias clásicas de espías que todos conocemos, la cinta va de la acción y la comedia al sentimentalismo necesario para darle un cierre complaciente a su narrativa. Luego del éxito de Toy Story 3, es casi un milagro tener en nuestras pantallas otra historia que si bien no tiene la resonancia sentimental de la cinta de Pixar, es una muestra de que existen otros creadores que pueden darles la pelea en un futuro no tan lejano…

agosto 17, 2010

Habana Eva


Eva (Prakriti Maduro) trabaja como costurera en La Habana mientras sueña con producir sus diseños, mientras espera pacientemente a que su novio Ángel (Carlos Enrique Almirante) termine de hacer un cuarto propio para casarse con él. Pero su vida cambiará cuando conozca a Jorge (Juan Carlos García), un adinerado exiliado que visita Cuba con un objetivo secreto que va más allá de tomar fotos para un libro. Mientras su sueño cobra vida con la ayuda de su amiga Teresa (Yuliet Cruz), la confusión y las dudas minan el corazón de Eva, atrapada entre dos amores…

Esta es la historia de una joven que busca, como buena protagonista de una comedia romántica, realizar sus sueños y ser feliz al lado del hombre que ama. Eva parece resignada a su rutina, su trabajo tedioso en la fábrica de vestidos donde todos son iguales, a su novio que no termina de construir la habitación para poder casarse e independizarse. Hasta que un encuentro con otro hombre la hace liberar todas esas fantasías y deseos ahogados.

Los hermosos escenarios de La Habana son fotografiados mostrándonos su gente, sus calles, su arquitectura y su decadencia; mientras la historia fluye con un repertorio de música caribeña ligera y comercial.


En las actuaciones, Prakriti Maduro se luce como Eva, dominando el acento cubano y llevando el peso de la cinta. De sus contrapartes, destacan Carlos Enrique Almirante y Yuliet Cruz, quien se roba las escenas y las risas con su personaje, Teresa, una mezcla franca entre conciencia y diablilla.

Si revisamos su filmografía, Fina Torres se ha caracterizado por presentarnos roles femeninos de con fuerza y personalidad, mujeres que no se conforman, liberales y  ambiciosas. Eva no es la excepción.

Sin embargo, creo que Habana Eva es el trabajo más convencional de Torres, pues aunque se adhiere a la fórmula de comedia romántica que ya hemos visto anteriormente, pareciera adem
ás robarse un poco del melodrama típico del latino, incorporando una subtrama fantasmal que es simpática pero convierte a la cinta en una fantasía, cuando bien pudo ser una historia contemporánea de superación y realización personal con un toque rosa.

julio 29, 2010

Hermano


A estas alturas ya más de 100 mil espectadores la han visto y los críticos han emitido su veredicto. Hoy me uno al grupo y puedo decir con orgullo que Hermano es un golazo. Más nada.

La opera prima del director Marcel Rasquín nos lleva al polvoriento campo de futbol de La Ceniza en Petare, donde dos hermanos de crianza comparten más que una vida, un sueño. Los deseos de superación, de salir adelante y conquistar el éxito no son ajenos a Daniel y Julio. Uno posee un talento natural para el deporte, el otro es un líder en la cancha y fuera de ella.

Hasta que la cruda realidad se interpone. Un suceso trágico lleva a estos hermanos a tomar decisiones que afectaran el alcance de esa meta soñada.

Ver Hermano es ver lo bueno y lo malo de ser venezolano. Es ingenuidad y corazón. Es sentir esa camaradería, esa complicidad, el calor y el apoyo de la familia, es ver en un espejo los anhelos que todos tenemos de salir de abajo, conquistar el mundo y ser los mejores. También es ver los obstáculos que nos lo impiden, bien sean sociales o económicos, es ver la realidad de nuestro país golpearnos y moldearnos a las circunstancias, es corrupción, violencia, debilidad y venganza. Es un trabajo conmovedor y agridulce. 

Nada me decepcionó en Hermano. Ni la historia, ni los personajes. Hacer cine en nuestra tierra no es fácil y por eso admiro el trabajo que Rasquín y su equipo nos entregaron, Desde la fotografía, la banda sonora hasta las actuaciones, que son sinceras y me conquistaron con sus salidas típicas del venezolano.

Por ahí he leído que la cinta es manipuladora y cursi. Quizás haya algo de verdad, ¿pero y qué? ¿Es que sólo a Hollywood se le acepta la cursilería? Rasquín ha logrado con su relato revivir mi esperanza de que sí existe posibilidad de hacer cine venezolano de calidad, más allá de las historias de malandros, sexo y violencia. No se trata de evadir la realidad, sino de entender que existen otros temas que a los venezolanos nos pueden interesar. Lo importante es buscarlos y saber contarlos.

Por eso, GRACIAS, Hermano.

julio 22, 2010

Man on Wire, The September Issue, Capitalism: A Love Story

Hace un par de semanas tuve la oportunidad de ver 3 documentales, los cuales quiero hoy compartir:

Man on Wire. Excepcional relato de Phillipe Petite, un francés que en 1974 llevó a cabo la hazaña de caminar sobre un cable a través de las extintas Torres Gemelas en New York. La cinta dirigida por James Marsh es maravillosa no sólo por la manera en que es narrada, a través de fotografías, entrevistas con los protagonistas, uso de “footage” real y algunas escenas que fueron actuadas para dar fluidez a la historia. Lo mejor de Man on Wire es el propio Petite, un personaje tan peculiar y lleno de vida que no puedes sino desear que lleve a cabo con éxito su “golpe”, como tan poéticamente él lo describe. Es como ver a un niño pequeño haciendo una travesura, lleno de ilusión, picardía y emoción. Es un triunfo del espíritu humano a los convencionalismos, una mirada nostálgica pero respetuosa a las desaparecidas torres y una historia llena de humor, suspenso, comedia y drama. La mejor del trío.

The September Issue narra la creación del número de la revista Vogue correspondiente a septiembre de 2007 por parte de su editora en jefe, Anna Wintour y su equipo editorial. Es un vistazo glamoroso al mundo de la moda y sus pequeñas guerras de poder, desde la selección del vestuario, locaciones, modelos, hasta el ensamblaje y orden de la revista, todo bajo la mirada glacial, crítica y casi despiadada de Wintour. Esta es la mujer que inspiro el personaje de Meryl Streep en El Diablo viste de Moda. Una elegante ejecutiva calculadora, poderosa, implacable y dominante que impone su punto de vista pero es respetada por su experiencia. Hay drama, mucha tensión, miradas de odio, impotencia y desesperación. Es interesante ver este mundillo en primera fila como si de un desfile de alta costura se tratara.

Finalmente esta Capitalism: A Love Story, el más reciente documental del cineasta Michael Moore, quien ya se ha acostumbrado demasiado al emplear el sensacionalismo y el show mediático para despertar el interés por sus historias. Capitalism nos habla del por qué el sistema económico en los Estados Unidos ha fallado y las consecuencias trágicas que los norteamericanos están sufriendo por culpa de este fracaso. Existen historias francamente espeluznantes y tristes que por alguna razón terminan llevándonos al pueblo natal de Moore, Flint, Michigan, que bastantes penurias ha padecido, según hemos visto en todos sus documentales. Eso es lo que critico de Moore, su visión se reduce siempre a lo mismo, a revivir las agonías pasadas, señalar a los villanos del cuento (en este caso, los bancos y Wall Street, que no tengo la menor duda que lo sean) y apretujar un par de escenas donde él se convierte en una especie de Robin Hood que lucha por defender los derechos ciudadanos de los más débiles. Es un enredo que ni el propio Moore entiende.

julio 16, 2010

CÁPSULAS: Shrek 4, 9 y Cómo Entrenar a Tu Dragón

En las dos últimas semanas tuve la oportunidad de ver estos tres animados, y hoy comparto con ustedes mi opinión:


Shrek 4: Gracias DreamWorks por terminar de pulverizar mi simpatía para con su ogro. Una cosa fue congraciarme con los terrores de Shrek por conocer a su familia política en Shrek 2, pero seguir explotando su incapacidad a comprometerse y a la responsabilidad (léase Shrek 3 y ahora 4) ya es caer en la flojera máxima y las ganas de unos $$ fáciles. Los chistes están gastados, las morisquetas del  burro y el gato ya no me hacen gracia y esta trama malograda de It’s a Wonderful Life va directo al pantano. Espero que ahí se quede.


9: El mundo post apocalíptico que ya hemos visto en otras películas de ciencia ficción se transfiere a la película de Shane Acker. Nueve muñecos miniatura de yute son creados por un científico y tratan de resolver lo que le sucedió a la raza humana mientras luchan contra unas letales monstruosidades robóticas. La animación luce fantástica y existe un aura de misterio durante toda la película, sin embargo la historia se queda corta ante las incesantes secuencias de acción. El mensaje es claro: ocurrirán las peores atrocidades, pero el alma humana sobrevive a todo. Bonito pero simplista para una propuesta tan ambiciosa.


Cómo Entrenar a tu Dragón: sorpresivamente la mejor película de este trío. Sin muchos aspavientos cuenta una historia sencilla pero con sentimiento. Una colonia vikinga que lucha contra a muerte contra los dragones aprenderá que la violencia y la guerra suelen ser producto de la falta de comunicación, un enemigo inclusive peor que las diferencias entre razas. El prototipo del héroe tiene la cara de un adolescente inadaptado y "perdedor". Llena de humor, aventura y acción. La trama no es nada del otro mundo, pero es contada con tal frescura e ingenuidad que no importa ver aquí y allá uno que otro lugar común.

julio 13, 2010

CÁPSULAS: Crazy Heart


SINOPSIS: Bad Blake (Jeff Bridges) es un cantante de música country que vive de las glorias pasadas. Alcohólico, mujeriego, arruinado, solitario y a punto de colapso respiratorio, todavía tiene el poder de atraer fans en tugurios de mala muerte. En una de sus giras conoce a Jean Craddock (Maggie Gyllenhaal), una periodista con un hijo de 4 años y el ojo adecuado para escoger hombres problemáticos. Ambos inician un romance mientras Bad trata de dejar sus vicios y enmendar el daño infringido a todos los que sufrieron decepciones por sus acciones pasadas.

Un hombre entrado en años, golpeado por la vida, que tuvo todas las oportunidades y las desperdició. Un corazón salvaje conoce a una mujer y se vuelve a enamorar. Esa es la letra de Crazy Heart, la canción que bien sirve como historia de la película dirigida por Scott Cooper.

Redención y arrepentimiento son los temas principales de Crazy Heart. Pero ninguno de los dos viene de la manera más fácil para Bad. De la novela de Thomas Cobb, esta es una cinta donde los personajes tienen más peso que la historia en general. Y gracias a la potente actuación de Bridges es que Crazy Heart no se convierte en un drama más del montón. Es él quien nos atrapa con su atormentada interpretación de un hombre destruido que tiene la oportunidad de renacer de sus cenizas. Los arreglos musicales de T. Bone Burnett liberan el tono deprimente que a ratos se apodera de un film donde comprobamos que el arrepentimiento no es cosa mala, pero difícilmente se puede escapar ileso de los errores cometidos. 

julio 01, 2010

The Green Zone - La Ciudad de las Tormentas

La supuesta posesión de armas de destrucción masiva por parte del gobierno iraquí sirvió de excusa para que en marzo de 2003 fuerzas aliadas iniciaran una invasión que puso fin al gobierno de Saddam Hussein.

En manos del jefe Roy Miller (Matt Damon) recae la misión de encontrar y desmantelar estas armas, cuya localización había sido informada por una fuente “confiable” del gobierno iraquí. Pero cuando la misión se torna en una persecución fantasma, Miller va más allá del deber y descubre una conspiración política que lo coloca en medio de los intereses de la CIA y el Pentágono.

El director Paul Greengrass ha cimentado una reputación honorable por amalgamar algunos de los filmes más impactantes de la última década (United 93, los filmes de Bourne entre ellos). En La Ciudad de las Tormentas, Greengrass continúa explotando el género del docu-drama, y en su ya conocido estilo cámara en mano despliega una historia sobre las verdaderas razones de las fuerzas políticas más poderosas del mundo para iniciar un conflicto armado y nos hace objetar y desconfiar del poder, sus autoridades e instituciones.

El guión de Brian Helgeland se basa en la novela Life in the Emerald City de Rajiv Chandrasekaram que relata los errores estratégicos durante ese primer año de guerra y la política de Estados Unidos. Greengrass traslada estos elementos a un filme donde la búsqueda de la verdad es el tema central y le da voz a todos los actores del conflicto, desde el militar ingenuo de Damon, los astutos políticos de la CIA y el Pentágono (Brendan Gleeson y Greg Kinnear) y los propios iraquíes a favor y en contra del régimen de Hussein (Faycal Attougui y Khallil Abdalla). Además hace una observación punzante a los periodistas que son capaces de transgredir su ética al no corroborar fuentes e historias antes de publicarlas.

Si bien es una historia que toma elementos de la realidad y los convierte en ficción, La Ciudad de las Tormentas es un trabajo relevante, lleno de observaciones éticas y morales que incomodará a algunos y nos hará pensar dos veces antes de creer ciegamente en la palabra de aquellos que en nombre de la justicia y la verdad toman decisiones que cambian el curso de la historia.
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junio 21, 2010

Toy Story 3

Hace 15 años se inició una transformación en el mundo de la animación cinematográfica cuando un pequeño estudio llamado Pixar conquistó nuestra atención con una cinta llamada Toy Story.

En el año 2000 y contra todo pronóstico de que nunca segundas partes fueron buenas, Pixar se anotó otro éxito rotundo con Toy Story 2. Fueron sus personajes, sus historias bien narradas, más que su avanzada tecnología, lo que catapultó estas películas a un lugar especial en el corazón del público.

Y ahora para cerrar con broche de oro, Pixar nos regala otra joya cinematográfica en Toy Story 3.

El tiempo no sólo pasó para nosotros, sino también para nuestros adorados juguetes. Desterrados a un baúl, el clan de Woody y Buzz parece haber sido olvidado por su dueño Andy, quien está a punto de irse a la Universidad. Confrontados ante el dilema de ser enviados al ático o donados a la guardería Sunnyside, todos salvo el leal Woody parecen resignados a una existencia en el exilio. Y cuando por una equivocación toda la pandilla termina en Sunnyside, pareciera –por un breve período- que nuestros amigos han encontrado un paraíso utópico donde su razón de ser no tiene fecha de expiración.
                                                                                                                                                                                                                 
Crecer, madurar, decir adiós y seguir adelante son algunas de las lecciones que aprendemos en Toy Story 3. La historia se las arregla para mostrarnos los cambios vividos por los juguetes, sus razonamientos, sus sentimientos y motivaciones. Los guionistas nos llevan de la mano combinando drama, aventuras, suspenso y comedia mientras el tercer acto alcanza su cúspide emocional y un cierre conmovedor, agridulce y nostálgico se apodera de los sentidos, llevándonos a ese recuerdo oculto en nuestras memorias que nos hace revivir la niñez y agradecer a estos fieles amigos por habernos dado lo mejor de sí mismos, por tantos buenos momentos. 

Gracias Pixar por este regalo, la mejor película –hasta los momentos- de lo que va del año 2010. Mientras siempre exista alguien dispuesto a jugar, la magia no desaparecerá.

junio 17, 2010

Robin Hood

Aventuras. Picardía. Coqueteo. Esas son las palabras que vienen a mi mente cuando pienso en Robin Hood. Espadachines luchando por los más débiles, cantando en las tabernas, enamorando con palabras, con gestos y con grandes hazañas.

Nada más lejos de tal descripción se encuentra esta nueva versión de la historia dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Russell Crowe. En ella, vamos al origen del mito.

Robing Longstride es uno de los mejores arqueros del ejército del Rey Ricardo Corazón de León. También es un don nadie. Terminadas las Cruzadas y de regreso a Inglaterra, el Rey es emboscado y asesinado junto con su guardia real. Robin promete a uno de los caballeros, Robert Loxly entregar su espada a su padre Walter. En Inglaterra el nefasto Príncipe John es coronado Rey y con él se inicia una terrible represión al pueblo, acompañada de mayores impuestos y miseria. Así llega Robin a Nottingham, donde se encuentra con la viuda de Loxly, Lady Marion (Cate Blanchett) y su yerno Sir Walter (soberbio Max Von Sydow). La nación se precipita hacia una guerra civil, con la amenaza latente de una invasión francesa, mientras Robin lideriza una rebelión contra el Rey John y los franceses.

Y eso, en un párrafo, es la historia. El guión, por su parte, esta minado de cientos más de detalles y elementos que hacen de esta película una maraña  épica con sabor a Corazón Valiente, Gladiador, Cruzada, Rey Arturo y hasta rescatando al Soldado Ryan. Las escenas de acción son dirigidas con toda la pericia y habilidad que caracteriza a Scott. La cinta es violenta, cruenta, llena de comentarios políticos y crítica social. Todo eso está muy bien, pero el tema, personalmente, lo encuentro agotado y mejor expuesto en otras historias.

Lo mejor de la película es su elaborado diseño de producción y su fotografía sobresaliente. En el tema de actuación, cada quien cumple con su rol, pero salvo el de Max Von Sydow, no hay ningún personaje con un verdadero impacto emocional.

Se acabó el Robin rebelde que correteaba al Sheriff de Nottingham por los bosques de Sherwood; el que roba a los ricos para dar a los pobres. El que trata de robarle un beso a Lady Marion. Ese hombre no existe. Esa historia no se cuenta aquí. Y por eso, yo me quedo con mi DVD de Disney.

junio 11, 2010

A Serious Man - Un Hombre Serio

Un hombre serio está a punto de recibir la lección de su vida. Su nombre es Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg).

Larry es un judío tradicional de mediana edad, casado, con dos hijos, profesor universitario y su estilo de vida no podría ser más convencional. Hasta que como una avalancha varios acontecimientos atentarán con descomponer su insignificante existencia.

Uno de sus estudiantes lo chantajea para aprobar los exámenes, su solicitud para ser profesor titular se ve en peligro por una serie de cartas amenazadoras, su problemático hermano se ha mudado a casa, su hija le roba dinero, su hijo menor es perseguido por el bravucón del vecindario y para poner la guinda en la torta, su esposa quiere el divorcio.

Acorralado, Larry explora soluciones, busca respuestas, busca consejos; ¡el pobre busca hasta distracciones! Pero no obtiene ni consuelo ni desahogo. Ni siquiera cuando se apoya en su religión, los rabinos que lo atienden sólo siembran más dudas y confusión.

El caos y la incertidumbre juegan un rol predominante en esta cinta de Joel y Ethan Coen: Mientras un desesperado Larry se pasea por los escenarios más disparatados y surrealistas, los Coen hilan una reflexión sobre la importancia de tener la perspectiva suficiente para entender la presencia e influencia del caos en nuestra existencia y por ende, en nuestra felicidad. No se trata de dictar cátedra sobre las respuestas de la vida, de explicar por qué las cosas malas le suceden a personas buenas, es simplemente un ejemplo sobre los altos y bajos de la vida de un sujeto ordinario.

La fotografía impecable de Roger Deakins nos sumerge en el suburbio sesentoso que los Coen seleccionaron como hogar de Larry, quizás un discreto homenaje al mismo tipo de vecindario que los vio crecer. Con el humor negro característico de estos hermanos, una sombria sensación de condena nos embarga mientras vemos a Larry sortear obstáculos uno tras otro, pero en el último minuto hasta la madre naturaleza parece recordarnos que sin importar cuán trágicas parezcan, las cosas siempre pueden empeorar.

mayo 25, 2010

Last Chance Harvey - Kate & Harvey

La vida tiene una segunda oportunidad en la comedia romántica Last Chance Harvey. Protagonizada por Dustin Hoffman y Emma Thompson, la cinta nos narra el encuentro de dos personas que aparentemente no tienen nada en común, salvo su soledad.  

Harvey es un tipo que metió la pata con su familia y su carrera y ahora va camino a Londres a la boda de su hija, so pena de ser despedido si no entrega un trabajo a tiempo. Kate es empleada pública que ha sufrido varias decepciones amorosas y prefiere no involucrarse con nadie antes de recibir otra; además tiene una madre (Eileen Atkins) que la llama cada cinco minutos hasta el punto de la insanidad.

En el aeropuerto se da el rendezvous de estos dos solitarios y a partir de ahí se inicia un paseo mágico por las calles de Londres en las que nuestra pareja se conoce poco a poco; al principio tímidos y cautos, las defensas bajan hasta dar paso a un genuino agrado del uno por el otro. La posibilidad de una nueva oportunidad es cada vez más latente con cada conversación, cada anécdota compartida. No hay nada especial en lo que Kate y Harvey hacen, sólo caminan y conversan hasta conectarse. Lidian con sus cargas, afrontan sus miedos y hablan de sus aficiones. 

Last Chance Harvey es una comedia romántica cuya fortaleza está en sus protagonistas. Las subtramas -si bien necesarias- no añaden mucho al flujo de esta historia. Son Kate y Harvey quienes importan, no porque sean agradables o buenas personas. Lejos de eso. Son tan imperfectos y humanos que a pesar de los errores cometidos, lo único que cabe es desearles un merecido desenlace feliz.

mayo 14, 2010

CÁPSULAS: Qui M'Aime Me Suive - Si Me Amas, Sígueme


Sinopsis: Max (Mathieu Demy) es un exitoso y brillante doctor de cirugía torácica en sus treinta, felizmente casado con Ana (Romane Bohringer) y respetado por sus amigos y familiares. Años atrás, Max tocaba la guitarra y soñaba con convertirse en cantante de rock. Una promoción en su trabajo por la que muchos matarían, junto con el discurso orgulloso de su padre y el recuerdo nostágico del sueño que nunca se materializó llevarán a Max a poner su vida patas arriba y con ello desquiciar las vidas de todos los que lo rodean.

Una crisis de identidad, la liberación de un espíritu reprimido y el ahnelo de realizar el sueño de tu vida son algunos de los temas que toca esta simpática comedia negra del director Benoit Cohen. A través de de Max no sólo experimentamos su despertar a una vida más viva, que huye a la monotonía y a los convencionalismos, sino que observamos como todos los que están a su alrededor cambian -para bien o mal- sus percepciones sobre el valor y la voulntad que se requieren para alcanzar tus deseos. Una pegajosísima banda sonora que hace match perfecto con la dirección cámara en mano y el estilo visual del film nos envuelve convincentemente en las locuras de Max y compañía. Las actuaciones son sinceras (Julie Depardieu y Eleonore Pourriat de mis favoritas) y dan al largometraje ese toque de realismo que nos hace seguirle la corriente a estos franceses alocados en busca del sueño perdido. Divertida y relajante opción en el festival de Cine Francés.

mayo 03, 2010

Iron Man 2





Más descarado, engreido y narciso. Tony Stark regresa a lo grande en la secuela de Iron Man, titulada simplemente Iron Man 2.

La historia se inicia seis meses después de la conferencia de prensa en la que Stark admite ser Iron Man. En ese tiempo, el solito se ha encargado de privatizar la paz, acabar con las guerras y  el negocio armamentista, cosa que no tiene muy contentos a los militares ni al gobierno de los Estados Unidos.

Además a nuestro héroe lo está matando -literalmente- su armadura, y anda en la búsqueda de un antídoto que le ponga fin a su mortalidad. Su asistente Pepper Potts lo presiona, su mejor amigo Rhodey también, su competidor más cercano, un envidioso y aburrido llamado Justin Hammer (Sam Rockwell) le quiere plagiar el trabajo. No la tiene fácil.

Y en Rusia, un físico llamado Ivan Danko (Mickey Rourke) está a punto de darle un poco de su propia medicina.

IM2 es una historia de crisis de indentidad y de venganza. Y Stark, con la personalidad que tiene, no es el típico héroe torturado que ya hemos visto antes. Su camino es el de la autodestrucción. Hasta que Nick Fury aparece cual Pepe Grillo para hacer su magia, y de paso, sentar las bases para la próxima película de Marvel, Los Vengadores.

Entretenida y cargadísima de acción, Iron Man 2 descansa sobre los hombros del muy carismático Robert Downey Jr., quien nuevamente se roba el show como el excéntrico super héroe. De la mano del director Jon Favreau, quien no tomó muchos riesgos y se conformó con repetir la fórmula de la primera película, Downey nos presenta la otra cara de Stark, la de un hijo con la memoria de un padre al que nunca pudo complacer, la de un hombre cuya moral no es a prueba de balas, la de un héroe en exceso narcisista y capaz de descarrilarse. Desafortunadamente los demás personajes no reciben el mismo desarrollo y quedan algo planos, como un relleno suculento y atractivo, pero nada más. Ni siquiera los villanos parecen verdaderamente peligrosos en esta historia.

Las secuencias de acción abundan, trilladas y cansinas. En algunos momentos, Favreau pierde el ritmo de la historia, pero el daño no es letal. ¿Divertida? Si, ¿mejor que su predecesora? Definitivamente no. ¿Espero con ansias una tercer parte? Déjenme pensarlo.

marzo 15, 2010

The Fantastic Mr. Fox - El Fantástico Señor Zorro

Primero lo primero: ¡amé esta película!

El libro infantil de Roald Dahl consiguió en el cineasta Wes Anderson al traductor ideal de su historia a la pantalla grande. Creador de obras tan peculiares como The Royal Tenenbaums y The Life Aquatic of Steve Zissou, Anderson es perfecto para liberar toda esa excentricidad que caracteriza a la narrativa de Dahl.

Empleando stop-motion animation, la cinta nos cautiva con sus colores, sus marionetas graciosas y sobre todo, su historia sobre las dinámicas familiares, padres e hijos y la crisis de mediana edad de un zorro con delirios de grandeza.

El Sr. Zorro (George Clooney) es toda una joya: ladrón de pollos profesional, galán, seductor, optimista y un poquitín engreído. Cuando en uno de sus atracos la cosa se pone peliaguda, su esposa Felicity (Meryl Streep) le hace prometer abandonar su vida de ladrón y dedicarse a una profesión más "respetable" y segura. Los años pasan, Zorro es columnista de un diario que nadie lee, tiene un adolescente que podemos describir como un bicho raro y una noche se da cuenta que está a punto de cumplir la misma edad que su padre cuando éste falleció.

Decidido a dejar su huella en el mundo, lo primero que hace el Sr. Zorro es comprarse una nueva propiedad en el tope de un árbol, rompiendo con los convencionalismos de que los zorros viven bajo tierra. Su otro plan es ejecutar el "último gran robo" a las tres granjas más productivas que se ven desde su casa (¡cuyos dueños son los tres grajeros mas desalmados del planeta!). Pero las travesuras del Sr. Zorro no pasarán inadvertidas y pronto los problemas complicarán su existencia y las de todo el reino animal...

El Fantástico Sr. Zorro nos pasea por el mundo creado por Dahl mientras nos habla de esa cualidad que hace única a cada individuo y la importancia de mantenernos fieles a lo que somos, bien seamos humanos o animales salvajes. Al crear este mundo donde humanos y animales se comunican, Anderson y su guionista Noah Baumbach le dan rienda suelta al humor, el drama, la aventura, la sátira y el desparpajo, al compás de una banda sonora que a más de uno le arrebatará una sonrisa.

marzo 04, 2010

Shutter Island - La Isla Siniestra



Dos alguaciles viajan una mañana nublada a bordo de un ferry. Uno de ellos sufre de mareos. La mirada del otro se pierde en la bruma y de pronto aparece, amenazante, una isla. La música ayuda a establecer el "mood", y desde el principio sabemos que este destino encierra algo terrible.

Así se inicia la nueva cinta del director Martin Scorsese, titulada apropiadamente La Isla Siniestra, una suerte de thriller psicológico que parece más una película de Hitchcock que una historia policial. Y vaya que no es la última.

Adaptación de una novela de Dennis Lehane, La Isla Siniestra explora temas que abarcan desde la realidad y sus límites, la locura y la paranoia, hasta la culpa y la redención. La cinta se desarrolla como un sueño borroso que se torna una pesadilla aterradora, antes de despertarnos a una realidad pavorosa y cruel.

Hablar de la trama sería vender muchos de sus secretos, por lo que me eximiré de ello. Lo que sí puedo decir es que Scorsese, valiéndose de los recursos cinematográficos más  manipuladores nos hace partícipes de un misterio que está más en la cabeza de su protagonista, Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio), que en el instituto mental donde se desarrolla la película. Este último es sólo un señuelo.

Los elementos claves para descifrar el misterio son presentados desde el inicio con estilo y mucha premeditación. Quizás es cierto que en su último bloque, para el espectador está más que claro lo que sucede. Pero en La Isla Siniestra, no se trata de que nosotros descubramos los secretos, lo importante es quién los está descubriendo (Daniels), y lo que significarán para él tales revelaciones.

febrero 25, 2010

Lección de Vida - An Education

 

La protagonista de Lección de Vida se llama Jenny, tiene 17 años y toda su vida planificada: practicar el chello, ser estudiante modelo, obtener una beca para ingresar a Oxford y estudiar Literatura, conocer París y escuchar música francesa. Jenny sigue su plan sin ver para otro lado, porque no conoce nada más de la vida.

Hasta que ésta se interpone para enseñarle que casi nunca las cosas son como una(o) las planea.

Su nombre es David y un día lluvioso le ofrece llevarla a su casa. Poco a poco, David se gana la confianza de Jenny hasta seducirla a un estilo de vida completamente desconocido para ella, uno que la hace darse cuenta que existen muchas más cosas que estudiar, ir a Oxford y tocar el Chello.

Y una expansión de horizontes es exactamente lo que Jenny necesita, aunque no con la visión corrupta de David sobre cómo se debe vivir. Lección de Vida es una historia de la ceguera causada por el primer amor, del corazón versus el cerebro.

Con un aire a lo "Audrey Hepburn", Carey Mulligan es fantástica como la ingenua pero inteligente Jenny. Destacadísimos están Alfred Molina como su estricto padre (¿cómo este señor no logró una nominación al Oscar?) y Rosamund Pike como la rubia tonta. El reparto es estelar, desde Peter Sarsgaard, Dominic Cooper, Olivia Williams hasta la siempre magnífica Emma Thompson.

Lección de Vida da un vistazo detallado a la corrupción de los principios y lo débiles que podemos ser cuando la tentación toca nuestras puertas. La seducción está omnipresente en cada vivencia. No importa caerse. Lo importante es levantarse y aprender la lección.

febrero 23, 2010

Zona de Miedo - The Hurt Locker


En las calles destruidas de Bagdad, un hombre camina lentamente dentro de un traje que parece espacial. Respira y da otro paso, calculando cada movimiento, mientras otros dos lo observan paralizados. El hombre busca una bomba para desactivarla, mientras observa a su alrededor las miradas poco amigables de los locales.

Jeremy Renner, Anthony Mackie, y Brian Geraghty protagonizan The Hurt Locker, una película sobre un escuadrón que tiene que lidiar diariamente con la amenaza latente de la muerte y la tensión que se desarrolla entre ellos mismos. Cuando lo leo así, suena tan simple.

La película de la directora Kathryn Bigelow es escalofriante. No es la gran épica historia de guerra (Rescatando al Soldado Ryan) o la historia de aquellos que regresan con heridas emocionales a casa (Jarhead). Es el día a día de unos soldados que deben ir en busca de bombas para desarmarlas o explotarlas sin que haya bajas humanas, con el valor agregado de que en el intento, el artefacto explote y tú con el. Ir a la zona de miedo. Lo importante es mantenerse vivo un día más.

El guión escrito por Mark Boal presenta una y otra vez múltiples ocasiones para que el escuadrón confronte sus peores temores mientras su cordura va siendo aplastada por las atrocidades de la guerra. Nos enseña cuán distantes y fríos estos soldados se han convertido al verse obligados a habitar este mundo de brutalidad y a la vez nos muestra que todavía existen horrores capaces de sorprenderlos.

Zona de Miedo es un filme lleno de suspenso y drama, que no manipula pero nos impacta y nos estremece. Porque no existe nada más traumático que vivir en la zozobra de saber si hoy será tu último día.

Cita de apertura, de Chris Hedges
"The rush of battle is often a potent and lethal addiction, for war is a drug".